音乐欣赏常识及工具大全

秋墨楓 · 发表于 2005-8-1 21:44

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 音乐欣赏常识及工具大全
我们应当以怎样的姿态审视音乐
如果
Rock&Roll是激进与力量
Pop是温暖
Classic是内敛与绽放
Jazz是苦难与抗争
如果
音乐是生命的历练
那么
我们愿意以尽可能客观的目光
去触摸音乐
放弃所有刻薄的言语
回到最初的宽容音乐欣赏常识

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(一)
音乐流派

===什么是 R&B？=== 
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础， Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。
===什么是HOUSE？===
 HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈，很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素，至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中最容易被大家所接受的.
Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐. 
House可分为：
 Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐
Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体.

Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House.

rogressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一点像"演奏类"的House乐. 像SASH!的专辑It''s My Life便是很好的Progressive House专辑. 

Epic House 就是"史诗"House. Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!). BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇". 其实连Rock也有"Epic Rock" 
Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样? 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点. 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种"而已。
到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。

===什么是Britpop？=== 
 Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。
英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead 
===什么是 Trip-Hop？=== 
 Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人，他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”，指迷幻，氤氲的药物【旅程】，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut 
===什么是 Gangsta Rap？===
 Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。
Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys 
===什么是 Synth Pop？===
 Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。
Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
===什么是 ORCHESTRA ？=== 
 ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。

===什么是 CHAMBER POP？===
 CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。
外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。
===什么是民歌（ FOLK）？===
 民歌（ FOLK）原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（ FOLK）的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP、ROCK及都市化发展， BOB DYLAN发明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（当代） FOLK路线。民歌（FOLK）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年较新的发展是与 NEW AGE结合（如 ENYA），及与 TRIP HOP结合）如 BETH ORTON）。

===什么是 BOSSA NOVA ？=== 
 BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第1、4、7、11、14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。

===什么是 CLASSICAL POP ？===
 CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。

===什么是ACAPPELLA ？===
 ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。

===什么是 WORLD MUSIC？===
 WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。

===什么是 DREAM-POP？===
 DREAM-POP是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多靠SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。
代表乐队有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。
中文歌手以王菲为首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。
===什么是 NEW AGE？===
 NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。

===什么是Electrophonic Music？===
 何谓Electrophonic Music（电子音乐）？随着时代的演进，音乐家有了更多制作音乐的方法。所谓电子音乐，就是以电子合成器，音乐软体，电脑等所产生的电子声响来制作音乐。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。
 电子音乐的类型也是多种多样的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum''n''Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。

===什么是Techno ？===
 Technology，即表示“高科技舞曲”啦！利用电脑，合成器合成，做出一些特殊音效，这种音乐常常是许多音效组合起来的。 Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快，且听起来具重复性，较强硬，较机械化，所以某些人称Techno为“工业噪音”，但某些还是会注重旋律的。 Techno起源于美国底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合，而产生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常较平缓，不像一般的Techno那样强劲，可说是现代Techno的起源。

===什么是Ambient ？===
 听起来起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效，或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为“情境音乐”，且常对於生活周遭的声音做取样，如人声、汽车声，甚至是其他音乐的旋律……等等。为70年代的Brian Eno所创，是一种很“高深”的电子音乐。后来Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中也有Ambient的味道。

===什么是Trance？=== 
 迷幻舞曲，由Techno演变而来，听了会让你有“出神”的感觉，但还是保有舞曲的律动，很注重Bass的表现，某些听了会有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍为主。不过我也有听过用Breakbeat的（下面会介绍），如Sven Vath的专辑Fusion。

===什么是Psychedelic Trance？===
 又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。

===什么是Break beat？===
 不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一种。

===什么是Brit-Hop？ ===
 把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重，配合些许电吉他、Bass，有摇滚乐的味道，如The Chemical Brothers的曲风即是。

===什么是Big-Beat？ ===
 “大节拍”，把Brit-Hop变得更快，节奏更重，更有摇滚的味道，可说是将Brit-Hop改良后，更成熟的一种曲风，你可以想像一下又重又碎，又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角”。

===什么是Drum N'' Bass？=== 
 对某些人来说，Drum N'' Bass的音乐可能很烦，因为Drum N'' Bass很注重在节奏上玩花样，还有Bass的表现，像是很快很快，复杂的碎拍，以及运用各种不同的电子鼓，或是取样而来的鼓声。因此Drum N'' Bass也是Breakbeat的一种。4Hero为Drum N'' Bass的知名乐团。

===什么是Jungle？=== 
 Jungle就是Drum N'' Bass的前身。Jungle的速度比Drum N'' Bass快很多，而且节拍更为复杂，比较强悍，有时会搭配一些Rap，不像Drum N'' Bass会融合一些Jazz、Soul等元素，听起来比较柔（当然这是和Jungle比起来）。连“摇滚变色龙” David Bowie现在都搞起Jungle了。

===什么是Electro？=== 
 早在70年代末，80年代初，那时还没有House、Techno……这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。 Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。现在的Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。现在的Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。

===什么是Dub？===
 Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae（瑞格，也有称之为雷鬼，一种很有节拍性，唱腔特别的南美黑人音乐）。而将Dub运用在电子乐上，则是将部份歌声抽离，将Bass和鼓声加重，并且加入大量的Echo（回音）等效果。这种技术常在现场表演时，将歌曲重新混音（Remix）呈现。像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。

===什么是Chill Out？===
 这只是一种统称而已。在舞池旁边，常会有一个区域，或是小房间，里头会放一些较缓和，较平静的音乐，让舞客跳完舞后缓和情绪，休息一下，以放Ambient音乐为主，所以会叫“Chill Out”（冷却）就是这个缘故。The Orb可说是Chill Out音乐大师。

===什么是Minimalism？=== 
 这被翻译成“极小派乐风”，在Ambient和Techno的音乐中常听的到。带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律，还有一种特别的律动，感觉上像一种特别的频率一样让你听了会有被催眠的感觉。Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno，带有相当的迷幻色彩

===Black Metal 黑色金属=== 
 以邪恶、异教崇拜以及撒旦思想为其主要诉求，通常在歌词含有反基督、反宗教的倾向即被归为黑金属，除了传统重金属固定乐器之外，经常会使用其他乐器如钢琴、小提琴，或歌剧的女高音，在歌曲中营造出一股诡异又吓人的恐怖气氛。“黑金属”以来自北欧的重金属团体最具代表性。
代表性乐队：Emperor、 Mayhem、 Enslaved、 Dark Funeral 
===Death 死亡金属===
 乐风以“鞭击金属”或“碾核”为其背景演化而成。电吉他快速的反复，几无旋律的和弦，速击狂踩的双大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌词以死亡仇恨为主题，充满了尸体、内脏、肢解、分尸、奸尸、恋尸癖、食尸、虐待等变态字眼。“死亡金属”以来自佛罗里达州的重金属乐队最具代表性。
代表性乐队：Death、 Carcass、 Cannibal Corpse、 Suffocation 
===Doom 毁灭金属 ===
 节奏和速度都很慢，非常得慢。较不激烈也不大具有攻击性，但仍是相当拥有重量感的音乐。通常具有非常干净的音乐和歌声，但有时也有粗暴野蛮的声音出现。
代表性乐队：Solitude Aeturnus、 Cathedral、 Candlemass 
===Glam Metal 华丽金属===
 通常指一个重金属乐队的舞台表演方式或外在形象以夸张的浓妆艳抹或俊俏的外型来吸引乐迷，这类的乐队大多是偶像团体。“华丽金属”的乐风不会太重，歌词也无太深入之含义，属于较流行的重金属音乐，是主流金属的分支。
代表性乐团：Kiss、 Poison、 Warrant、 Twisted Sister、 Motley Crue
===Grindcore 碾===
 类似“朋克”但极具重量的音乐，主唱低鸣深沉的狂吼咆哮、电吉他超麻辣的音色再加上极快速的反复节拍及密集鼓点，构成一种几无旋律的重金属乐风，乐曲的长度都很短，从两秒钟到三分钟不等。“碾核”为一种极为冷僻的重金属乐风，大多数“死亡金属”乐队都采用此一乐风。
代表性乐队：Napalm Death 
===Grunge 垃圾（颓废？===
 另类摇滚的同义词。起源于西雅图的类金属（metal-like）另类摇滚，基本上Grunge属于另类摇滚而不应归类到重金属之下。
代表性乐队：Nirvana、 Pearl Jam、 Mudhoney、 Alice In Chains 
===Hardcore 硬核===
 源自于“朋克”，歌词直言不讳粗鄙不堪，音乐如同噪音一般。 
===Hard Rock 重摇滚===
 比重金属乐“轻”一点的音乐。
代表性乐队：Foreigner、 Blue Oyster Cult、 Heart、 Cinderella 
===Heavy Metal 重金属 ===
 “重金属”必须具备狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、电吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓点和低沉有力的贝司填满整个听觉的背景空间，而构成一种含有高爆发力，快速度，重量感及破坏性等元素的改良式摇滚乐。通常泛指传统的主流派重金属或无法分类到其他重金属流派里的重金属乐。
代表性乐队：AC/DC、 Accept、 Judas Priest、 Iron Maiden、 W.A.S.P. 
===Industrial Metal 工业金属=== 
 采用大量冰冷的电脑采样音效，穿插以机械或金属器具的撞击声代替传统打击乐器，加上电子式的节拍，是很象科技舞曲的重金属乐，但仍保留重金属的大量失真效果。
代表性乐队：Fear Factory、 Ministry、 Nine Inch Nails
===Neo-Classical 新古典金属=== 
 受古典音乐极深，在重金属乐中加入大量古典音乐元素。
代表性乐队： Angra 
===Pop Metal 流行金属=== 
 在重金属摇滚中加入流行音乐之元素，可说是重金属摇滚和流行音乐妥协结合的折中产品，是极易为主流市场之音乐消费者所接受的重金属摇滚乐。
代表性乐队：Def Leppard, Mr Big, White Lion 
===Power Metal 强力金属===
 拥有类似“速度金属”的速度和“鞭击金属”的重量压迫感，但旋律性不及“速度金属”，爆发力也不及“鞭击金属”。
代表性乐队：Pantera, Armored Saint, Wild Dogs 
===Progressive Metal 前卫金属 ===
 风格有别于传统重金属，在歌曲中采用大量复杂华丽的编曲，或在歌词中传达出某些前进思想供听者一个想象思考的空间。
代表性乐队：Queensryche, Fate Warning, Dream Theater
===Punk 朋克 ===
 歌词中传达某些叛逆思想及对生活环境、文化、社会、政治等的不满情绪，而音乐缺乏协调性无特定风格，是一种相当嘈杂的音乐，通常一群能将乐器弄出声音来的人就可以组一个朋克乐队。
代表性乐队：Clash, Sex Pistols 
===Speed Metal 速度金属 ===
 速度为其标榜的主要特色。经常会和“鞭击金属”产生混淆，通常“速度金属”的音乐较具旋律性，主唱歌词咬字较清楚，吉他间奏富旋律性且快速而流畅；而“鞭击金属”则较缺乏旋律性，完全一速度、重量、压迫感和破坏力并重。通常“鞭击金属”乐队和“速度金属”乐队的乐手们都拥有纯熟高超的乐器演奏技巧。
代表性乐队：Helloween, Gamma Ray, Riot, Rage
===Thrash Metal 鞭击金属===
 速度也极快，具有相当快速的反复节拍(riff)，电吉他粗麻的音色刷出剽悍的和弦，极具破坏力及压迫感的速踩双大鼓，主唱粗暴狂吼式的唱腔配合电吉他快速的节奏急速地唱出几无旋律的曲调。“鞭击金属”以来自旧金山湾区的重金属乐队最具代表性。
代表性乐队：Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax, Death Angel, Testament, Exodus, Destruction, Kreator, Coroner, Overkill 

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(二)
音乐格式一览

(1)
===经典的WAVE=== 
 WAVE文件作为最经典的Windows多媒体音频格式，应用非常广泛，它使用三个参数来表示声音：采样位数、采样频率和声道数。
声道有单声道和立体声之分，采样频率一般有11025Hz（11kHz）、22050Hz（22kHz）和44100Hz（44kHz）三种。WAVE文件所占容量=（采样频率×采样位数×声道）×时间/8（1字节=8bit）。

===传统的MOD=== 
 MOD是一种类似波表的音乐格式，但它的结构却类似 MIDI，使用真实采样，体积很小，在以前的DOS年代，MOD经常被作为游戏的背景音乐。现在的MOD可以包含很多音轨，而且格式众多，如S3M、NST、669、MTM、XM、IT、XT和RT等。

===电脑音乐MIDI===
 MIDI是Musical Instrument Data Interface的简称，它采用数字方式对乐器所奏出来的声音进行记录（每个音符记录为一个数字），然后，播放时再对这些记录通过FM或波表合成：FM合成是通过多个频率的声音混合来模拟乐器的声音；波表合成是将乐器的声音样本存储在声卡波形表中，播放时从波形表中取出产生声音。

===龙头老大MP3===
 MP3可谓是大名鼎鼎，它采用MPEG Audio Layer 3 技术，将声音用 1∶10 甚至 1∶12 的压缩率压缩，采样率为44kHz、比特率为112kbit/s。
MP3音乐是以数字方式储存的音乐，如果要播放，就必须有相应的数字解码播放系统，一般通过专门的软件进行MP3数字音乐的解码，再还原成波形声音信号播放输出，这种软件就称为MP3播放器，如Winamp等。

===网上霸主RA系列===
 RA、RAM和RM都是Real公司成熟的网络音频格式，采用了“音频流”技术，所以非常适合网络广播。在制作时可以加入版权、演唱者、制作者、Mail 和歌曲的Title等信息。
RA可以称为互联网上多媒体传播的霸主，适合于网络上进行实时播放，是目前在线收听网络音乐最好的一种格式。 
===高压缩比的VQF=== 
 VQF即TwinVQ是由Nippon Telegraph and Telephone同YAMAHA公司开发的一种音频压缩技术。
VQF的音频压缩率比标准的MPEG音频压缩率高出近一倍，可以达到1∶18左右甚至更高。而像MP3、RA这些广为流行的压缩格式一般只有1∶12左右。但仍然不会影响音质，当VQF以44kHz-80kbit/s的音频采样率压缩音乐时，它的音质会优于44kHz-128kbit/s的MP3，以44kHz-96kbit/s压缩时，音乐接近44kHz-256kbit/s的MP3。

===迷你光盘MD=== 
 MD（即MiniDisc）是SONY公司于1992年推出的一种完整的便携音乐格式，它所采用的压缩算法就是ATRAC技术（压缩比是1∶5）。MD又分为可录型MD（Recordable，有磁头和激光头两个头）和单放型MD（Pre-recorded，只有激光头）。
强大的编辑功能是MD的强项，可以快速选曲、曲目移动、合并、分割、删除和曲名编辑等多项功能，比CD更具个性化，随时可以拥有一张属于自己的MD专辑。MD的产品包括MD随身听、MD床头音响、MD汽车音响、MD录音卡座、MD摄像枪和MD驱动器等。

===音乐CD=== 
 即CD唱片，一张CD可以播放74分钟左右的声音文件，Windows系统中自带了一个CD播放机，另外多数声卡所附带的软件都提供了CD播放功能，甚至有一些光驱脱离电脑，只要接通电源就可以作为一个独立的CD播放机使用。

===潜力无限的WMA=== 
 微软在开发自己的网络多媒体服务平台上主推ASF(Audio Steaming format)，这是一个开放支持在各种各样的网络和协议上的数据传输的标准。它支持音频、视频以及其他一系列的多媒体类型。而WMA是Windows Media Audio的缩写，相当于只包含音频的ASF文件。
WMA文件在80kbps、44kHz的模式下压缩比可达1∶18，基本上和VQF相同。而且压缩速度比MP3提高一倍。所以它应该比VQF更具有竞争力。 
===免费音乐格式Vorbis=== 
 为了防止MP3音乐公司收取的专利费用上升，GMGI的iCast公司的程序员开发了一种新的免费音乐格式Vorbis，其音质可以与MP3相媲美，甚至优于MP3。并且将通过网络发布，可以免费自由下载，不必担心会涉及侵权问题。但MP3在网上已经非常流行，微软的Windows Media技术也开始普及，Vorbis的前景还是不容乐观。

===其它音频格式 ===
 AIF/AIFF： 苹果公司开发的一种声音文件格式，支持MAC平台，支持16位44.1kHz立体声。
 AU：SUN的AU压缩声音文件格式，只支持8位的声音,，是互连网上常用到的声音文件格式，多由SUN工作站创建。
 CDA：CD音轨文件。 
 CMF：CREATIVE 公司开发的一种类似MIDI的声音文件。
 DSP：Digital Signal Processing（数字信号处理）的简称。通过提高信号处理方法，音质会极大地改善，歌曲会更悦耳动听。
 S3U：MP3播放文件列表
RMI：MIDI乐器序列
===有损压缩：=== 
AAC： 在高比特率下音质仅次于MPC，在高比特率和低比特率下表象都很不错。就是编码速度太慢!
MPC： 低比特率下表现一般，不及Mp3Pro编码的MP3和OGG，高比特率下音质最好，编码速度快!
OGG： 低比特率下音质最好，高比特率同样也不错。编码速度稍慢。
MP3(MP3Pro)：在低比特率下音质次于OGG，其他方面同MP3 
WMA： 高低比特率下都一般，不支持VBR，最高192Kbit/s 
===无损压缩:=== 
FLAC：压缩率在四个中最差，编码速度不错，平台支持很好。

AC：稍慢的编码速度，压缩率排第三，平台支持良好。
APE：编码速度最快、最好的压缩率，平台支持一般。
WV：编码速度非常快，压缩率在四个种排第二，仅支持Windows平台。

(2)
常用音乐术语
===套曲Cycle=== 
一种由多乐章组合而成的大型器乐曲或声乐器
　
===组曲Suite===
由几个具有相对独立性的器乐曲组成的乐曲 
===奏鸣曲Sonata=== 
指类似组曲的器乐合奏套曲.自海顿.莫扎特以后,其指由3-4个乐章组成的器乐独奏套曲(钢琴奏鸣曲)或独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲(小提琴奏鸣曲)
　 
===交响曲symphony=== 
大型管弦乐套曲,通常含四个乐章.其乐章结构与独奏的奏鸣曲相同
　
===协奏曲concerto===
由一件或多件独奏乐器与管弦乐团相互竞奏,并显示其个性及技巧的大型器乐套曲.分独奏协奏曲、大协奏曲、小协奏曲等
　 
===交响诗symphonic poem=== 
单乐章的标题****响音乐
　
===音诗poeme=== 
单乐章管弦乐曲，与交响诗相类似 
　
===序曲overture=== 
歌剧、清唱剧、舞剧、其他戏剧作品和声乐、器乐套曲的开始曲。十九世纪又出现独立的音乐会序曲
　
===前奏曲prelude===
带有即兴曲的性质、有独立的乐思、常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引的中、小型器乐曲。
　
===托卡塔toccata=== 
节奏紧凑、快速触键的富有自由即兴性的键盘乐曲 
　
===幻想曲fantasia===
形式自由，给人以即兴创作或自由幻想之感的器乐曲
　
===随想曲capriccio=== 
形式自由的赋格式的幻想曲，19世纪后是一种富于幻想的即兴性器乐曲 
　
===狂想曲rhapsody=== 
始于19世纪初以民族或民间曲调为主要素材的具有鲜明民族特色的器乐幻想曲
　
===练习曲study=== 
为提高乐器演奏者技术水平而写的乐曲 
　
===无词歌songs wighout=== 
抒情的小型器乐曲，有伴奏声部，旋律声部象歌曲样的钢琴曲 
　
===浪漫曲Romance=== 
罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲
　
===叙事曲ballade===
富于叙事性、戏剧性的钢琴独奏曲 
　
===夜曲nocturne=== 
流行于18世纪西洋贵族社会中的器乐套曲，常在夜间露天演奏 
　
===小夜曲serenade===
晨歌的对称。起源于中世纪欧洲吟唱诗人在恋人窗前所唱的情歌
　
===谐谑曲scherzo===
诙谐曲。节奏强烈，速度较快、轻松活泼的三拍子器乐曲或声乐曲 
　
===间奏曲intermezzo=== 
为歌剧或戏剧中的过场音乐或幕间曲；另一种为形式较自由篇幅较小的器乐曲 
　
===赋格曲fugue===
拉丁文音译意为遁走。以复调手法写成的大型乐曲 
　
===卡农canon===
纯以模仿手法构成的复调音乐形式
　
===轮唱曲round===
用同度或八度卡农手法写成的声乐曲
　
===创意曲invention=== 
复调结构的钢琴小曲。类似前奏曲或小赋格曲。巴赫始用此名称
　
===练声曲vocalization=== 
没有歌词而用韵母、音节或唱名演唱的声乐练习曲
　
===回旋曲rondo=== 
由相同的主部和几个不同的插部交替出现而构成的乐曲 
　
===变奏曲variation=== 
主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲
　
===进行曲march===
用步伐节奏写成的乐曲
　
===特性曲character piece=== 
指富于诗情画意和生活情趣的器乐小曲，主要是钢琴小曲
　
===晨歌alborada=== 
起源于西班牙西北部的加利西亚的田园风味乐曲
　
===田园曲pastorable=== 
原为欧洲16-17世纪一种乡村题材的戏剧表演，歌剧的前身之一。近代音乐中是模仿牧人所吹肖姆管曲调和圣诞吹奏乐的器乐曲或声乐曲，源于意大利。
　 
===船歌barcarolle===
威尼斯船工所唱的歌曲以及模仿这种歌曲的声乐曲和器乐曲
　
===悲歌elegy=== 
表现哀伤情绪的声乐曲或器乐曲
　
===摇篮曲berceuse=== 
抒情声乐曲或器乐曲。描写摇篮摆动的节奏，近似船歌。
　
===嬉游曲divertimento=== 
18世纪欢娱宾客的一种器乐重奏组曲 
　
===即兴曲impromptu=== 
偶发创作的抒情特性曲，19世纪成为器乐短曲曲名，形式类似歌曲
　
===无穷动perpetuum mobile===
从头至尾贯穿着急速节奏的乐曲
　
===小品bagatelle=== 
轻快，幽默的特性曲，常为钢琴小曲
　
===幽默曲humoreske=== 
富于幽默风趣或表现恬淡朴素、明朗愉快情致的器乐曲 
　
===新事曲novellette=== 
始创于R.舒曼的一种钢琴特性曲
　
===演绎曲paraphrase=== 
14--16世纪教会音乐中的演绎曲是自由加工的素歌旋律。F.李斯特借用此名称称其为著名声乐曲和器乐曲，特别是为歌剧选曲所作的钢琴改编曲为演绎曲
　 
===舞曲dance music=== 
根据舞蹈节奏写成的器乐曲或声乐曲
　
===小步舞曲menuet===
起源于法国民间的三拍子舞曲，因舞步极小而得名
　
===加沃特gavotte=== 
起源于法国民间的中速、四拍子舞曲
　
===塔兰泰拉tarantella=== 
起源于意大利的速度迅急、情绪热烈的舞曲
　
===波尔卡polka=== 
起源于捷克的速度较快的二拍子舞曲
　
===华尔兹waltz===
圆舞曲。一种起源于奥地利民间的三拍子舞曲。
　
===马祖卡mazurka===
起源于波兰民间的情绪活泼热烈的三拍子双人舞曲
　
===波罗乃兹polonaise===
波兰舞曲。起源于波兰民间的庄重，缓慢的三拍子舞曲
　
===哈巴涅拉habanera===
阿伐奈拉。由非洲黑人传入古巴的中速二拍子舞曲
　
===探戈tango===
起源非洲后传入阿根廷的中速、二拍子或四拍子的舞曲 
　
===独唱solo=== 
由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏的演唱形式，有时也用人声伴唱 
　
===齐唱unison=== 
两人以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一旋律的演唱形式 
　
===重唱ensemble=== 
每个声部均由一人演唱的多声部声乐曲及演唱形式。按声部或人数分二重唱、三重唱、四重唱
　
===领唱lead a chorus=== 
由一人唱众人和的演唱形式
　
===合唱chorus=== 
两组以上的演唱者，各按本组所担任的声部演唱同一乐曲的演唱形式
　
===无伴奏合唱a cappella=== 
纯粹由人声演唱不用乐器伴奏的合唱形式 
　
===合奏ensemble=== 
由多种乐器组成，常按乐器种类的不同而分为若干组，各组分别担任某些声部，演奏同一乐曲的演奏形式 
　
===伴奏accompaniment=== 
由一件或多件乐器奏出，用以衬托主要的歌唱或器乐演奏部分。用以烘托舞蹈的器乐配乐也常称为伴奏
　
===独奏solo=== 
由一人演奏某一乐器，常用其他乐器或乐队伴奏 
　
===齐奏unison=== 
两个以上的演奏者，按同度或八度音程关系同时演奏同一曲调 
　
===室内乐chamber music=== 
通常指由少数人演奏，演唱的重奏曲、重唱曲。
　
===二重奏Duet=== 
由两件乐器分奏两个声部的室内乐
　
===三重奏Trio=== 
由三件乐器分奏三个声部的室内乐
　
===弦乐三重奏string trio===
由小提琴、中提琴、大提琴分奏三个声部的室内乐
　
===钢琴三重奏piano trio ===
由钢琴与另两件乐器（弦乐器或管乐器）演奏的室内乐
　
===四重奏quartet===
由四件乐器分奏四个声部的室内乐
　
===弦乐四重奏string quartet===
由两个小提琴，一个中提琴、一个大提琴演奏的室内乐 
　
===钢琴四重奏piano quartet===
由小提琴、中提琴、大提琴、钢琴演奏的室内乐

(3)
【小介绍】 DTS音轨与DTS-CD【DTS音轨】
　　所谓DTS音轨，采用的是经由DTS(Digital Theater Systems)编码后的 5.1 声道标准。DTS的最大编码流量与LPCM相同，也就是每秒 48000*16*2=1536000bps=1536kbps。相对而言，这远另一种流行的多声道编码系统——Dolby Digital （AC3）所提供的 448kbps 来得大，换句话说也就是DTS在多声道音品的压缩过程中失真小得多。这一特点使得DTS在多声道编码系统中有着先天的优势，也正因为如此，与DTS相关的制品和设备也市场上日渐受到消费者的青睐。

【DTS CD】
　　至于DTS CD，顾名思义就是DTS音轨的音频Audio-CD。其存储方式与一般的音乐 CD 相同，都是 16bits、44.1kHz 采样频率。只是DTS CD中纪录的实际内容并不是普通CD的PCM采样信号，而是DTS 编码的音轨信号。由于 DTS CD 文件记录形式与普通 CD 兼容，因此它也就与音乐CD一样可以用普通的方法复刻、制作和播放。并且，目前市面上绝大多数带有数字输出功能的DVD播放器和CD播放器都支持直接输出DTS数字信号，加上多数音响爱好者或器材商店都已经有的DTS解码设备，更使得欣赏DTS CD可以随心所欲、异常方便。

【备注】 
　　欣赏 DTS CD 时，需将播放机的数字输出(SPDIF或光纤输出接口)，连接到相应的DTS解码器或解码功放，再由相应的DTS解码器或解码功放对送至的数字信号进行解码，方可获得精彩的DTS 5.1 声道输出。如果是在电脑上，需要安装PowerDVD或WinDVD这类支持DTS的播放器播放，才能正确回放DTS CD的多声道音频信号。

【数码剧院效果系统（DTS）解析】
　　DTS（Digital Theater Systems,数码剧院效果系统）是一种用于电影和音乐的高质量多音轨环绕声技术。DTS采用声音的相关性高效的压缩数据，使采样率在24-bit下达到192KHz。与CD相比，CD采用线性PCD编码，在16-bit下采样率仅为44.1KHz。
　　当将模拟声音信号转为数字信号时需要进行采样。CD由两条音轨组成，使用16-bit PCM方式每秒采样44,100次(44.1KHz)，采样可被量化为65,536（2的16次方）个级别。而24-bit 采样可被量化为16,777,216个级别。这种巨大的差异会使声音能够被更真实的记录下来，并且更平滑、更具动态效果，使声音还原更接近于原始的效果。

【影剧院中的DTS】
　DTS于1993年由Jurassic Park发布进入影剧院。DTS是采用6声道环绕系统，与杜比类似，但与杜比也有一些较大的差异，并与杜比一样被众多的影剧院所采用。
　　在影剧院中，杜比将声音编码与电影记录在一起，而DTS使用一张单独的CD来存储声音并采用一种同步技术使声音与影象保持一致。同时DTS将两个后备的声道与影片存储在一起，以备在CD音响出现问题时使用。

【DTS在DVD光盘中的使用】 
　　并非所有的杜比在DVD或光盘中都使用6声道（5.1）。杜比音轨可从单声道到6声道，大量已发布的杜比光盘都不是6声道的，许多采用4声道甚至是单声道的。而DTS发布的都是5.1DTS高质量6声道环绕声，并在DTS数据处理时不加入任何音效增强处理。DTS仅仅是采用高采样率并对采样使用经过大量验证的基于人类听觉特性的数据压缩技术。
　　对于家庭影院的发烧友，有许多方法可将DTS加入到他们的系统中。DTS光盘已经出现了几年了，其音效非常完美但是DTS的光盘还比较少。DTS也在光盘市场中寻求更适合的位置。
　　带有DTS的DVD同样也较少，它们具有比杜比更为完美的声音效果：音效更具动感并且更平滑，低音更清晰、更深沉。
　　有一些CD使用DTS编码。一般采用20-bit记录，与标准的16-bit编码相比音效有明显的提高，其中决大多数为6声道（5.1）的。

【播放DTS所需设备】
　　要输出DTS信号必须有DVD播放器。大多数较新的播放器都具有此功能。在接收的设备中必须有DTS解码器或在中间加入一个独立的处理系统。
　　用于播放DTS光盘的播放器必须有数码输出功能。DTS光盘和DTS CD播放系统都必须具有DTS解码器。

【总结】
　　DTS是一种优秀的技术并开始用于普通消费者。虽然DTS技术能够提供比CD和杜比更完美的音效，但使用DTS的盘（光盘、DVD、CD等）却很少。使用杜比的DVD有几千种，而使用DTS的仅几百种。鉴于DTS技术的日益大众化，许多制作公司开始发布更多的DTS制品，DTS会更多的进入到家庭影院或音响系统。DTS将更完美的展现5.1立体环绕系统的风采。


<img src=http://bbs.shiandci.net/lb5000/usr/12/12_1807_151.gif>

下载工具
1.Net Transport （强烈推荐）
软件名称：Net Transport
软件简介：
　　Net Transport是一个快速稳定功能强大的下载工具。优点：下载，速度一流，CPU占用率低，尤其在宽带上特别明显；内建易于使用的文件管理器，轻松实现按类别存放下载的文件。Net Transport现在支持 HTTP、FTP 和 MMS (Microsoft Media Service)，而且这些协议均实现多线程断点续传只要站点支持。MMS协议流每秒的字节数差不多是固定的，这就决定了MMS流本身不能充分利用用户所有的带宽，所以多线程技术在缩短MMS流下载时间方面效果立竿见影。可惜的是，同类软件中少有支持MMS多线程下载技术的，Net Transport正好弥补了这个空白。
这是一款完全免费的下载工具，支持HTTP、FTP、MMS和RTSP协议。除了RTSP协议外，对于其它的协议均能实现多线程的断点续传。 
简单教程：
http://www.cnii.com.cn/20021111/ca105559.htm
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评价：
不象Streambox Vcr和NetMoles那么脆弱，动辄崩溃，几乎完美支持RTSP协议，如果碰到不能下载只会是两种情况，一是对方屏蔽你的IP；二是服务器忙，多刷几次就可以了。
它是非常好的一个软件，你一定会喜欢，它支持：简体中文、繁体中文、英文，第一次装上是显示英文，你点击菜单栏上的"View"、再选择"Language"再点"简体中文"就成中文了，不错吧，用法和网络蚂蚁一样一看就会，一用你就会喜欢。


2.FlashGet v1.40 正式版注册版 
软件名称 FlashGet v1.40 正式版注册版
软件类型上传下载
运行环境 Win9x/WinNT/Win2000/WinME
授权方式共享软件
汉化中文
软件简介：通过把一个文件分成几个部分同时下载可以成倍的提高速度，下载速度可以提高100%到500%。
附注册！
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3.Streambox Vcr
下载mms,rtsp等协议的流媒体的工具
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Netants1.25中文版
大名鼎鼎的网络蚂蚁，现在用的人可能已经少了
http://gt.onlinedown.net/down/netants_gb2312.zip

roject URL Snooper 1.1 Beta 1 汉化版
Project URL Snooper 是一个网络信息侦测(嗅探)软件, 能够实时跟踪通过你电脑中(经过网卡,调制解调器等)的数据信息,并分析出里面的各种类型的URL地址.一些电影点播网站对于影片的地址往往隐藏的很好,但是这个软件能够很容易的将这些地址轻易展现在你的眼前。是用来配合Streambox VCR, ASFR ,SDP 等一些流行的流媒体下载软件很好的助手．
http://down.zhtx.net/H-URLSnooper11b1cn-Andy.exe

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播放工具及相关工具：
Winamp3 3.0
著名的播放软件Winamp终于推出了全新的3.0版，新版提供了对视频文件的全面播放支持、强大的皮肤功能、全新的解码引擎、大量先进的媒体库、占用内存更少，Winamp已经成为一个专业的媒体播放平台，大有一统天下之势。
http://download.nullsoft.com/winamp/client/winamp3_0-full.exe

Winamp3 3.0 水手汉化完全版
http://down.zhtx.net/Winamp30_488_Dfx6_121_SS.exe

迷你歌词(MiniLyrics) 3.0 beta1 for Winamp3
MiniLyrics 是一款WINAMP的插件，它不但可以显示歌词，而且可以下载歌词。它解决了看歌词遇到的最大麻烦——找歌词难的问题，MiniLyrics可以自动到服务器上搜索、并且下载歌词，为用户节约了很多时间和精力；目前MiniLyrics有30000首歌词可以自动搜索，下载；MiniLyrics可以多种方式显示歌词，除了普通的向上滚动显示之外，还支持双行显示歌词，单行显示歌词；同时MiniLyrics可以支持多种文件格式：LRC、TXT等；支持多语言，用户可以自己制作语言包；用户可以根据自己的需要动态更换MiniLyrics的界面，也可自己制作界面。
http://down.zhtx.net/MiniLyrics3.exe

Mp3PRO for Winamp plugin 1.2
让你的WINAMP能播放 Mp3PRO格式的音乐！

http://down.zhtx.net/mp3PROAudioDecoder_v1_2.exe
Mp3PRO for Winamp plugin 1.2 汉化版
http://down.zhtx.net/HA-mp3PROAudioDecoder_v1_2-CST.zip

QuickTime 6.10 英文正式版
Apple QuickTime 视频文件播放程序，除了播放MP3外，QuickTime还支持MIDI播放。并且可以收听/收看网络播放，支持HTTP、RTP和RTSP标准。该软件还支持主要的图像格式，比如：JPEG、BMP、PICT、PNG和GIF。该软件的其他特性还有：支持数字视频文件，包括：MiniDV、DVCPro、 DVCam、AVI、AVR、MPEG-1、OpenDML以及Macromedia Flash等
http://down.zhtx.net/QuickTimeInstaller.zip
汉化补丁
http://down.zhtx.net/P-QuickTime6.exe

MyMP3 0.9.0.9 
市面上第一款针对MP3的管理软件，集MP3的管理和播放于一身，是音乐爱好者绝对的福音（在这里用福“音”这个词真是恰如其分的）。现在许多人都有海量的MP3，每天挑选要听的歌很麻烦，管理极不方便。现在这一困难解决了。MyMP3的管理功能之强大是令人瞠目的，其界面与音质也与winamp不相上下。相信随着软件的完善，她会成为大家装机必备的软件。
http://down.zhtx.net/mymp3.zip

网际飞音 1.0 Beta 9 完全版
1.网际飞音是一个多功能的媒体播放器，可以播放CD、VCD；MP3、MPEG4；Real的RM、RA；微软的WMA、WMV、ASF和其它常见的音乐和视频文件。以后还会支持DVD的播放。2.网际飞音与网络全面整合，只要有了小小一个播放器相当于有了上 100G 的音乐，上100G的影视节目随时可在线欣赏。你不必再当心硬盘不够用了。而且每天都有新的音乐和影视节目播放。3.网际飞音有很多人性化的功能: 1).皮肤随心换,还可以自己制作。2)自动记住上次播放的时间，下次打开时可以继续播放。3)自动从指定的时间开始播放，在看连续剧时很有用,可以跳过片头。4)自定义了一套强大的脚本格式，可以播过编写脚本控制播放的播放器，编写却很简单。
http://down.zhtx.net/donor_full.exe

Jet-Audio 5.0 
一个全功能的多媒体播放器，包括调音台、音频CD播放器、数字音频播放器、MIDI播放器、以及数字视频播放器。直接支持众多多媒体文件格式。
http://down.zhtx.net/JAD500.exe
Jet-Audio 5.0 汉化补丁
http://down.zhtx.net/jetAudio_5.0.0.1219-patch-Ksxuxu.exe

Media Jukebox 8.0.393 
多媒体播放器，支持 MP3、MusicX、AVI 以及 Windows Media Player 6.0 支持的所有格式。它的功能包括：支持多种格式的音频和视频文件；能够抓音轨并将其压制成MP3或WMA格式；能够将MP3或WMA文件烧录成普通音响设备可以播放的CD；能够收听或收看1300个Web TV和广播站点；通过输入设备能够将磁带或LP中的音乐转换为数字音乐；能够创建SmartLists、Playlists，可以有效地组织管理你的多媒体文件；支持多语言；支持流行的手持播放器；Buy CD 按钮能够根据当前正在播放的音乐来搜索网络商店是否有该CD出售。mini-me 界面模式支持SKIN功能。
http://ftp.jriver.com/pub/downloads/music/MediaJukebox8.exe

超级音乐盒 MusicBox Plus 4.9 Build 930
一个多功能的媒体播放器，可以支持40多种媒体格式，有数码点歌功能，可以更换skin，占用系统资源极小。
http://down.zhtx.net/musicboxplus_setup.exe

Sonique 2.0 alpha build 11.27
功能相当棒的 MP3 播放程序，*作方式完全以液晶电视的方式呈现，另有一缩放式的音谱控制面板，支持 Playlist，它有二种的呈现方式，可自由切换，另音量的控制采用旋转按钮。
http://down.zhtx.net/s2alpha_install_021127.exe

Quintessential Player 3.40 build 36 简体中文增强版
最好的完美的纯CD播放软件，小巧，攻能强大，超强的Internet CDDB攻能，完善的播放控制，很酷地界面，支持面板皮肤(Skin)攻能，特长多多，但CPU占用低。
http://down.zhtx.net/HA_QCDv340B36Plus_SH.zip

flipTech ShufflePlay 2.74 
MP3 管理器、播放列表生成器、播放器、数据库——四合一的 MP3 播放器，功能十分强大，*作简洁明了。新版本增强了如下功能：标签和文件重命名、生成 HTML 和 TXT 列表、查找重复 MP3、单击即可查找光盘等等。
http://down.zhtx.net/sp274.zip

Mp3 Media Studio 2.30 Beta 1 
一个功能齐全的MP3软件。可以播放MP3，编辑MP3的ID3标签，支持M3U歌曲播放清单，还可以分类管理你的MP3文件。
http://down.zhtx.net/Mms1001.exe

A2 Media Player Lite 2.21 
一个可以播放CD, MP3, MIDI和WAVE文件的播放器，界面的相当简洁，支持面板，它还支持其他播放软件的面板(如winamp)，内附面版编辑功能可让你自己设计面板。在他独特的面板之外，功能也很多，除了完全录放装置之外，它还包括混音器，麦克风输出，bass等功能，它也包括一个播放清单编辑器，让你自行编辑M3U，PLS格式，在播放清单上的每首歌都可有自己的混音设定，内建搜寻工具，ID3 tag 编辑器，还可以当作是卡拉ok机，内附歌词编辑功能为每首歌加上歌词。
http://down.zhtx.net/A2MPV221.exe

WhiteTiger Standard 3.1 Build 162
MP3 播放器, MP3 编码器, MP3 解码器, CD 音轨抓取器, CD 播放器, WAV播放器, MIDI 播放器等。
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音频转换工具：
Waver 2.80
可以将多个 WAV 转换为 WAV 或 MP3 文件，支持多处理器并行工作。
http://down.zhtx.net/waver.zip

CDex 1.50 Beta 9
能抓取光碟音轨不失真的转成WAV文件或者直接转成MP3文件，本身已有编码功能，并不需要外挂其它的编码软件，支持ATAPI及SCSI光驱，另外也能播放CD唱片!
http://down.zhtx.net/cdex_150b9_enu.exe

MP3 Strip_It! Digital 5.60.206
可以快速的将CD转换成WAV或者MP3文件，它可以使用内建的BladeEnc.dll来制作MP3，也可以用系统安装的其他MP3压缩程序来制作。在制作MP3的时候，MP3Strip_It！Digital可以先撷取CD音轨储存成WAV文件再转成MP3；也可以直接将CD转成MP3，不需要额外的磁碟空间来储存WAV文件。而内建的BladeEnc压缩器可以制作出和原来的CD一模一样甚至更好的音质的MP3。这个30天试用版的MP3Strip_It！Digital每次只能制作半张CD！
http://down.zhtx.net/mp3stripit_install.exe

Easy CD-DA Extractor 5.0.5
Windows 视窗下将 CD 或 DVD 音轨转成 WAV 、RAW 文件的工具，你也可以配合 MPEG Layer-3 Audio Codec 直接将 CD 转成 MP3。而且它还支持从网上下载 CDDB 的 CD 音乐曲目资料，可在你的电脑里建立 CD 音乐资料库。
http://down.zhtx.net/ezcddax505.exe

Easy CD-DA Extractor 5.0.2.1 汉化版
http://down.zhtx.net/HA_ezcddax5021_pp.exe

音乐软件我推荐用Foobar2000~ PC音箱界的比较专业的播放器~ 完全原音再现APE音乐 
Foobar2000 是一个 Windows 平台下的高级音频播放器。包含了一些播放增益支持、低内存占用等基本特色以及内置支持一些流行的音频格式。
特色：
1.开放的组件体系结构允许第三方开发者来扩展播放器的功能
2.内置音频格式支持: WAV, AIFF, VOC, AU, SND, Ogg Vorbis, MPC, MP2, MP3 
3.通过官方插件支持的音频格式：MPEG-4 AAC, FLAC, Ogg FLAC, Monkey's Audio, WavPack, Speex, CDDA, SPC, 各种 MOD 类型; 从 RAR、ZIP 压缩包里直接读取音频 
4.在 Windows NT 上完整的 Unicode 支持 
5.支持播放增益(ReplayGain) 
6.低内存占用，有效处理大量的播放列表 
7.高级文件信息处理能力（常规文件信息窗口和批量标签） 
8.高度自定义播放列表显示 
9.自定义快捷键 
10.在 BSD 许可协议下大部分标准组件都是开放源代码的（SDK 里包含源码）
更新 
-> 现在的汉化增强版在安装的时候已经没有“全部选择”项了，用意是为了避免大多数人不分青红皂白一律选择完全安装而出了问题后又把问题堆到汉化版身上。
-> 新增 Quick Tag(快速标签)的汉化，这个插件经常被用来快速的给歌曲评定一个等级，配合定制的 Tiltleformatting 可以显示星级。
-> Monkey's Audio 解码器升级至 3.99 (05.03)
-> Monkey's Audio 编码器(foo_monkey)升级至 MAClib 3.99。命令行编码器(foo_clienc)仍使用 3.97 的 mac.exe。
-> N1ran4 的代码页转换插件(foo_codepage_action)更新，增加了默认替换的是系统的代码页的选项。显示繁体 ANSI BIG5 码标签必备。
-> 直接从硬盘上删除文件的插件(foo_delete)，删除前会有对话框提示。
-> 新增续流器 - foo_dsp_continuator(原谅我这么翻译，实在没什么好名称)，可以在歌曲切换时产生重叠、渐变等效果。
<a href=http://www.sbtop.com/UploadSoft/fb2k_0.8.3.201.exe>下载foobar2000v.8.3<a>

<a href=http://wh.onlinedown.net:88/down/foobar2000zy.exe>foobar2000使用和设置教程</a>

<img src=http://bbs.shiandci.net/lb5000/usr/12/12_1807_117.gif>

梦里蝴蝶 · 发表于 2005-8-1 22:12

感谢楼主分享，好多啊，用的时候来找：）

音乐二流子 · 发表于 2005-8-1 23:10

很不错,先置顶.建议秋枫最好再编缉一下.让层次更分明.

微风 · 发表于 2005-8-2 17:47

辛苦了，秋墨楓朋友想得真周到：）

显示全部楼层 · 发表于 2005-8-2 19:27

提示: 作者被禁止或删除内容自动屏蔽

秋墨楓 · 发表于 2005-8-3 04:20

下面引用由音乐二流子在 2005/08/01 11:10pm 发表的内容：
很不错,先置顶.建议秋枫最好再编缉一下.让层次更分明.

下面引用由梦里花开落在 2005/08/02 07:27pm 发表的内容：
内容好丰富哦，能不能分门别类重新编排一下．那样找起来方便一点．

已重新編輯了，不知這樣是否清晰些呢?

音乐二流子 · 发表于 2005-8-3 16:04

这样挺好的。不过起首的一些蓝色有些痒眼....另外把第一篇的音乐流派再归类一下...太多了...呵呵...辛苦墨枫了。

秋墨楓 · 发表于 2005-8-3 19:51

[这个贴子最后由秋墨楓在 2005/08/03 08:09pm 第 1 次编辑]

下面引用由音乐二流子在 2005/08/03 04:04pm 发表的内容：
这样挺好的。不过起首的一些蓝色有些痒眼....另外把第一篇的音乐流派再归类一下...太多了...呵呵...辛苦墨枫了。

不怕實說，對於二流兄的要求真的做不來了，呵呵，我沒有一點音樂方面的知識呢，听音樂只憑感覺的，那只有麻煩版主了。
對於字体顏色的問題，這方面也只能麻煩版主了。
另:"播放工具及相关工具"這一欄的顏色也弄得不好

秋墨楓 · 发表于 2005-8-4 03:04

怎样欣赏音乐

怎么样倾听音乐?
我们每个人都根据自己不同的欣赏能力倾听音乐。不过为了便于分析起见，如果我仍把倾听音乐的全过程分成几个组成部分，那就比较清楚了。从某种意义上说，我们全是在三种不同的阶段上倾听音乐的。由于缺乏恰当的术语，不妨把这三个阶段称为：（1）美感阶段；（2）表达阶段；（3 ）纯音乐阶段。
　　把欣赏过程机械地分为这几种假设的阶段，唯一好处是可以对倾听的方式有个比较清楚的概念。
　　倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，把收音机打开，便心不在焉地抗浸在音响中了。这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。
　　你此刻可能正坐在屋里看这本书。设想钢琴上奏出了一个音，这个音是足可以立即改变房间的气氛——证明音乐的音响成分是一种强大的和神秘的力量，谁嘲笑或小看这点，谁就会显得很愚蠢。
　　令人惊讶的是，不少自从为是合格的音乐爱好者在这个阶段养成了不良的听音乐的习惯。他们去听音乐会是为了忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱。他们进入了一个理想世界，在这个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。当然他们也没有思考音乐。音乐允许他们离开了音乐，把他们带到了一个幻想的境界，这种幻想是由音乐引起的，是关于音乐的，可是他们又不怎么倾听音乐。
　　是的，音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，但你不应让它在你的兴趣中占据不恰当的位置，美感阶段在音乐中占有非常重要的位置，但这并不是全部问题的所在。
　　关于美感阶段无需扯得太远。音乐的感染力对每个正常的人来说都是不言而喻的。然而还存在着对不同作曲家使用的不同音响素材更为敏感的问题。因为并不是所有的作曲家都用同一种方法使用音响素材的。不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。如果确实如此的话，拉威尔就应该是比贝多芬更伟大的创作家了。问题在于作曲家使用音响要素的方式因人而异，他对音响的使用方式形成了他的风格的一个组成部分，这一点在聆听音乐时是必须加以考虑的。所以，读者可以看到，即使在聆听音乐的这个初级阶段，也值得采取更有意识的聆听方式。
　　倾听音乐的第二个阶段即我所说的表达阶段。在这里我们马上会碰到引起争论的问题。作曲家倾向于回避讨论有关音乐所表现的内容，斯特拉文斯基自己不是宣称过他的作品是有它本身的生命的“物体”，“东西”，而且除了它本身的纯音乐存在之外一没有任何其它意义了吗？他的这种不妥协的态度可能是基于这样一种事实：有那么多的人都试图对那么多的作品加以各种不同的解释。天知道要想用自己的解释准确地、明确地、最终地说清楚一首音乐作品的涵义何在从而使每个人都感到满意该有多么困难。但不应该导致另一个极端，即否认音乐有“表达”的权利。
　　我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明：“音乐有涵义吗？”我的回答是：“有的”。“你能用言语把这种涵义说清楚吗？”我的回答是：“不能”。这就是症结所在。
　　那些头脑简单的人对第二个问题的回答永远不会感到满意。他们总是希望音乐具有一种涵义，这种涵义愈具体，他们就愈喜爱它。愈能使他们想起一列火车、一场风暴、一次葬礼或任何其它比较熟悉的概念的乐曲，他们就愈觉得富有表现力。这种对音乐具有涵义的流行概念——通常是由普通的音乐评论员激发和唆使的——应该随时随地给以纠正。有一次一位胆小的女士向我供认，她担心自己的音乐欣赏力有严重的缺陷，因为她不能把音乐与某种明确的东西联系起来。这当然是把整个问题引向倒退了。
　　不过，问题还是存在的。那些明智的音乐爱好者在要求任何一首作品都具有明确的涵义方面要走多远呢？我说，充其量不过是一种一般的概念。在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。在这种情况下，音乐家喜欢说音乐只有纯音乐的涵义。他们有时甚至更进一步说所有的音乐都只有纯音乐的涵义。他们的真正的意思是说，找不到恰当的言词来表达音乐的涵义，并且即使能够找到，也没有必要去找。
　　不过不管专业音乐工作者怎么讲，大多数初学音乐的人还是要制订明确的言词来说明他们对音乐的反应。因此他仍总是觉得“理解”柴科夫斯基要比“理解”贝多芬容易些。首先，为柴科夫斯基的一首乐曲制订内容明确的涵义要比为贝多芬的这样做容易些，容易得多。尤其是，就这位俄国作曲家来说，每当你回到他的一首乐曲上去的时候，它几乎总是向你述说着同一件事情；而你要想说清贝多芬在讲什么却经常是很困难的。任何音乐家都会告诉你，这就是为什么说贝多芬是更伟大的作曲家的缘故。因为每次都向你述说同样内情的乐曲很快会变成枯燥的乐曲；而每听一次都能有细微不同涵义的乐曲则具有更强的生命力。
　　如果可能的话，你不妨听一下巴赫《平均律钢琴曲集》中的四十八个赋格主题。一个主题接一个主题地听。很快你就会意识到每一个主题都反映着一种不同的情绪。你还会很快地意识到，主题愈是动听，就愈难找到能使你完全满意的言词来描述它。是的，你当然知道它是快活的还是悲哀的。换言之，围绕着这个主题可以在自己的头脑中构成一幅感情的框框。现在进一步研究一下悲哀的主题，尽力抓住它的确切的悲哀的性质。是悲观主义的悲哀还是听天由命的悲哀；是致命的悲哀还是带微笑的悲哀？
　　让我们假定你现在很幸运，你能用许多话把自己选择的主题的确切涵义描述得使自己满意，但是这并不保证使别人满意，别人也不必要满意。重要的是每个人都能使自己感觉到一个主题或整首乐曲所表达的特性。如果那是一首艺术巨作，每当你再听它的时候，本要期望它都意味着完全相同的事物。
　　当然，主题或乐曲不必只表现一种情绪。以《第九交响曲》的第一主要主题为例，很明显，它是由不同的成分构成的，叙述的也不只是一件事。然而不管是谁听它，都会马上有一种力量的感觉，一种有力的感觉。这种感觉并不单纯出于演奏的强大音响。这是主题本身所固有的力量。这主题的非凡的力量和活力给听众的印象好像是发生了一项强有力的声明。不过决不要试图把它归结为“致命的生命之锤”，等等。这就是麻烦开始的地方。音乐家在激怒中说音乐除了音符本身之外什么也不是，而非专业音乐工作者则过分焦急地渴望着任何可以使自己更接近于这首乐曲的涵义的解释。
　　读者现在也许会进一步了解我所说的音乐确实能表达一种涵义，但又不能用很多言词来说明其涵义是什么。
　　倾听音乐的第三阶段是纯音乐的阶段。音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，确实存在于音符和对音符的处理之中。大多数听众并不能充分意识到这第三阶段。本书的主要目的就是要使他们进一步在这个水平上认识音乐。
　　另一方面，如果稍有区别的话，专业音乐工作者又太注意音符了。他们经常陷入下述错误，即全神贯注于琶者和断奏，从而忘了他们所演奏的乐曲的更深刻的方面。但从外行的角度来看，提高自己对正在演奏的音符的理解比克服纯音乐阶段的坏习惯更为重要。
　　当一个人在街上稍微注意地聆听“音符”时，他很可能会提到这支旋律。他听到的是一支美妙的旋律，或者不是，一般地说，他就不再去想它了。其次他注意到的很可能是节奏，特别是如果这种节奏令人兴奋的话。而和声与音色常常被认为是理所当然的，如果想到它们的话。至于这音乐是否有某种明确的形式，他好像从来没有考虑过。
　　我们大家都应当更多地在纯音乐阶段感受音乐，这一点非常重要。毕竟，人们使用的是实际的音乐素材。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤其重要的是，为了追随作曲家的思路，必须懂得一些音乐曲式的原理。聆听这一切要素就是在纯音乐的阶段欣赏音乐。
　　让我再重复一遍，我们是为了听得更清楚才把聆听音乐机械地分成三种不同的阶段的。实际上，我们从来不单独在一个阶段上聆听音乐。我们所做的是使各个阶段相互联系——同时以三种方式聆听。这不需要思考，凭直觉就会这样做的。
　　与我们坐在剧院里看到的情况相比较，也许会搞清楚这种直觉的相互联系。在剧院里，你会注意到那些男女演员、服装和道具、音响和动作。这一切都会使人感到剧院是个令人愉快的地方，并构成我们对剧院的反应中的美感阶段。
　　从你对舞台上发生的事情的感觉中可以得出在剧院中的表达阶段，你被感动得产生怜悯，兴奋或快活的情绪，这种台词之外的、舞台上的某种令人激动的东西所产生的总的感情，与在音乐中的表情的性质是相类似的。
　　剧情与剧情的发展相当于我们所说的纯音乐阶段。剧作家在塑造和发展角色方面与作曲家在创作和发展一个主题方面所采用的手法完全相同。你将根据你对这两种艺术家在处理素材的手法方面的认识程度成为一个更明智的聆听者。
　　可以明显地看出，常去剧院的人从来不会分别地意识到这些要素，他同时意识到各个方面。这个道理也适于聆听音乐。我们同时地、不加思考地在这三个阶段上聆听。
　　从某种意义上说，理想的聆听者是同时既能进入音乐又能超脱音乐的，他一方面品评音乐，一方面欣赏音乐，希望音乐向这一方面进行，又注视着音乐向另一方向进行----就像作曲家在创作音乐时那样；因为作曲家为了谱写自己的乐曲，也必须进出于自己的乐曲，时而为它所陶醉，时而又能对它进行冷静的批评。在创作和欣赏音乐时要同时具有主观的和客观的态度。
　　所以，读者应当更积极地去聆听。不管你听的是莫扎特的还是埃林顿公爵的作品，只有当你成为更自觉的、更有意识的聆听者——不仅在听，而且在听某些事物的时候----你才能加深对音乐的理解。

秋墨楓 · 发表于 2005-8-4 03:07

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基本乐理知识
1：音（Tone）
　　是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音（不含音），一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。
2：音色（Tone-color）
　　指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音，并有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色是不同的。
3：共鸣（Resonance）
　　共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时，引起了其它物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。
4：基音（Fundamental tone）　
　　物体振动时所发出的频率最低的音是基音，其余的为泛音。基音决定音高。
5：泛音（Harmonic overtone）
　　除了发音体整体振动产生的最低的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动，是泛音。泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。
6：音高（Pitch）
　　音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。目前国际通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。
7：音名（Pitch name）
　　音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一，在各个国家是不同的。被广泛采用的是：C D E F G A B。
8：唱名（Syllable names）
　　唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。
9：音域（Compass）
　　人声或乐器所能达到的最低音和最高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。
10：调性（Tonality）
　　调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系最后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。
11：音阶（Scale）
　　指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高來排列，这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶（大调）与小音阶（小调）为主。
12：五声音阶（Pentatonic scale）
　　由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如：do、re、mi、sol、la、（do）。 13：大调（Major mode）
　　调式的一种。七声音阶，其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音。大调的色彩较为明朗。
14：小调（Minor mode）
　　调式的一种，七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调" 、"現代小音阶"四形式。小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调（小音阶）的二三两音间与五六两音间为半音。
15：纯律（Just intonation）
　　与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均，所以不能随便转调，现已被历史所淘汰。
16：主音（Key-note）
　　调式音阶里的第一音。十二平均律（Temperament）音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音，半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。
17：半音、全音（Semi tone、Whole tone）
　　将一个八度音分成十二等份，每一份为半音，两个半音相当于全音。半音相当于小二度，全音相当于大二度。
18：协和音程与不协和音程（Consonant,Dissonance）
　　根据协和的程度可分为完全协和音程（纯１、４、５、８度）和不完全协和音程（大、小３、６度）。除此之外都是不协和音程。
19：音程（Interval）
　　指两音之间的距离。计算音程的单位称"度"，两个音之间包括几个音节就称几度。度数相同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。
20：十二音体系（tweleve-tone system, tweleve-note system)
　　现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋柏格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二个音任意排成一年音列，然后以倒置、逆行等技法加以处理，除非所有的音都出现过，否则任何一个音不得重复。
21：五声音阶（prentatonic scale）
　　八度内有五音，谓之"五声音阶"。
22：七声音阶（diationic scale）
　　八度内有七音，就称为"七音音阶"。
23：力度（dynamics）
　　力度指演奏、演唱乐曲时音响的强度。以力度记号表示，如f(强)、p(弱)、＜（渐强）、＞（渐弱）等。
26：不定音高（inderterminate pitch）
　　乐曲中所采用的没有明确音高的声音叫不定音高。实为噪声，原不属于乐章范围。现代派作曲家常用之，如锯木声、折纸张声、打字声、扫地声、敲击声、嘘声、呼啸声等等。
27：不对称节奏（asymmetric rhythm）
　　又称"复节奏"（polyrhythm）。在同一乐句或小节中，各声部的节奏不相一致；或在同一小节中，组成各节拍的时值不相一致。广义言之，复调音乐都属于奇异节奏。现代派作曲家所用的奇异节奏，是一种高度复杂化的节奏。
28：切分音（synopation）
　　变换小节中强弱拍位置的一种节奏。其形成的格式如下：　
　（1）、弱拍音延续到强拍位置；　　
　（2）、休止强拍位置；　
　（3）、弱拍音改为强拍。
29：无调性（atonality）
　　指乐曲的构成没有一定的调性基础。
34：平行五度（parallel fifths）
　　乐曲的两个声部隔开纯五度作平行进行。十五世纪以来，在对位与和声上都规定应避免平行五度之出现。
35：平行减七弦（parallel diminished seventh）
　　和弦进行的方式之一。减七和弦由四个音连续小三度叠置而成，其特点是无明确的倾向性。减七和弦连续出现而不加解决，就是"平行减七和弦"。
37：节奏（rhythm）
　　构成乐曲的基本因素有乐音的高度、乐章的时值（包括休止）、乐音的强弱三种。表现于时值与强弱方面的，即乐音的有规律的轻重缓急，称为节奏。
38：节拍　
　　乐曲中周期性出现的节奏序列。
42：主调音（tonic keynote）
　　调式的中心音称为"主调音"。
43：主调音乐（homophony）
　　复调音乐及单调音乐的对称。多声部音乐的一种。以一个声部作旋律（曲调）进行，其余声部居于和声衬托的地位。
45：半音音阶（chromatic scale）
　　相邻二音的间距为"半音"，谓之"半音音阶"。
50：全音音阶（whole-tone sacale）
　　相邻二音的间距皆为全音，谓之"全音音阶"。
53：华彩段（cadenza）
　　插于乐曲尾处的辉煌的即兴演奏段落。由独奏者即兴展示其演奏技巧。作曲家与演奏家常为他人的作品写定华彩段。
55：声部（part,voice）
　　指重唱、合唱、重奏、合奏乐曲中同时进行的各旋律线。如弦乐四重奏有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴四个声部；混声合唱有女高音、女低音、男高音、男低音四个声部。
57：转调（modulation）
　　乐曲在进行中变换调性。转调是重要的作曲手法之一。简单的转调常在近关系之间相转。
58：拍子（beat）
　　小节的单位时值。小节的拍子结构以拍子记号（time signayure）表示。
62：和声（harmony）
　　不同高度的乐音同时发声，谓之和声。和声学的研究对象为：和弦的结构、和弦的连续法则、和弦在乐曲上功能属性、和声学是作曲技法的重要组成部分。
63：和弦（chord）
　　和声的结构单位。在自然音阶的和声体系中，和弦由音阶上各音连续三度叠置而成。三音叠置，即成三和弦，由C、E、G三音组成；其属七和弦，由G、B、D、F四音组成。
65：变和弦（altered chord,Chromaytic chord）
　　和弦的组成音中有不属于同调性的音出现，谓之变和弦。变和弦常作为转调的准备。
66：〖单调音乐〗（monophony）
　　单旋律的音乐。复调音乐及主调音乐的对称。即不附带任何对位声部、衬托句及伴奏等，只有一条单纯的旋律线。古代音乐及大多数民歌，都是单调音乐。
69：复调音乐（polyphony）
　　单调音乐及主调音乐的对称。由两个以上各自独立而又根据和声法则同时进行的声部组成的音乐。其性质与"对位音乐"（counterpoint)基本相同。
70：复对位（compound counterpoint）
　　凡对位音乐的各声部可以高低易位者，统称为复对位。复对位按声部数量可分为二重对位、三重对位、四重对位等。
71：音域（compass）
　　人声或乐器发声的音调广度，常以其高低两极音表示之。各种音域，其各局部的音质不相同，这种局部，称为音区（register），在人声则称为声区。
72：音程（intreval）
　　两乐音之间的音高差距。通常以自然音阶两音之间的音级数（包括边缘两极）作为音程的量度。
73：音高（pitch）
　　乐音在音阶上的绝对高度。如C音、D音等。在物理上，音高决定于发音体的振动频率，在心理感觉上，音高之决定还稍受音的响度的影响。
74：音调（idiom）
　　某一时代、民族、地区、流派、作曲家特有的音乐风格。如言某民族或某的民歌音调。
75：音阶（scale）
　　音乐上所用的音，根据一定规律，在八度内按高低次序排列之，即成音阶。世界各民族各地区，皆有其独特的音阶。
78：美声唱法（bel canto）
　　声乐表演风格之一。十八世纪流行于意大利。演唱者追求音质的优美、自然与歌唱表演的华丽、辉煌，而忽视词意和感情等的表达。以运用美声唱法著称的作曲家有贝里尼、多尼采蒂、罗西尼等人。他们所作的歌剧常称为"美声歌剧"。
80：配器（orchestration）
　　作曲法的组成部分之一。指器乐合奏曲中各种乐器的配合。其内容要点为各类乐器性能、各类乐器的音色对比与配合效果、乐曲原音响统一效果。配器除用于初始写作之外，亦常用于现成乐曲配器，如将钢琴曲、重奏曲等，改编为管弦乐曲。
81：调式（mode）
　　据以构成乐曲的基础音列。其中一音为中心音，其余各音与该中心音具有依存关系。调式的中心音称为"主调音"。以主调音的音高表示调式，谓之"调性"。乐曲之构成而无一定的调性基础者，谓之"无调性"；同时以两种调性为基础者，谓之"多重调性"。
83：旋律（melody）
　　不同高低与不同时值的音前后相连，即成旋律。旋律的要素一为音高，二为节奏。较原始的音乐公有旋律，甚至仅有节奏。现代音乐也有只求和声与配器等的新奇效果而忽略旋律的。
94：音乐的基本表现手段
音乐的基本表现手段是：
（1）.曲调旋律、节奏、拍子、速度；
（2）.调、和声；
（3）.力度；
95：音乐的分类
（一）音乐按声部和声部状况可分为：单声部音乐、.复调音乐、主调音乐。
96：音乐的分类
（二）音乐按照性质分可分为：纯音乐、标题音乐、轻音乐、爵士音乐。
97：乐音体系
　　在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。
98：调号
　　变化记号若使用在整首曲子中，使这首曲子中的每逢指定的音都要升或降，那这時候这个变化记号就被称之为调号。
99：节拍
　　强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做"拍子''，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。
100：旋律
　　又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。

乐理知识-浅谈简谱
简谱是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便，因此在我国广泛流传。
简谱有它的优点，但也有它的缺点。例如记合奏合唱，它就不象五线谱在视觉上那么清楚，而记钢琴谱几乎是不可能的。过去有人认为简谱简单、不科学，因而否定了简谱在现实音乐生活中的重要作用，那是错误的。应该承认：简谱对音乐的普及和推广，作出了重大的贡献。在今后相当长的时期内，简谱将会继续发挥它的积极作用，为社会主义文化事业服务。
简谱的创造和发展过程，因为缺乏有关的材料，还不能作准确的介绍。法国的加林（1786-1821）和舍维（1804-1864）；英国的格兰威尔（1785-1867）和葛尔文（1816-1880），在简谱体系方面，都曾作过研究和整理。我国的简谱是由日本传来的。这种体系与舍维的体系已有所不同。按照舍维体系，八分音符和十六分音符的短线，都加在音符的上方。
然而日本的简谱到了我国，特别是解放后十年来，又起了许多变化和发展，现在只将现行的简谱作如下的简单介绍。
在简谱体系中，音的相对高度暖和七个阿拉伯数字来表示的。这几个音的相互关系，除3 4、7 i 半音外，其他全为全音。
标记：1 2 3 4 5 6 7 i
唱法：do ri mi fa sol la si do
在音符的上面加一小圆点，即表示高八度演唱，加两个圆点表示高两个八度；反之，在下面加一个圆点，即表示低八度演唱，加两个圆点表示低两个八度。
要准确地表示音的绝对高度，还要应用调号标记。调号标记是用1=F、1=G……等来表示的。
为了避免在音符的上面或下面过多的加点，在合唱、合奏谱中，往往应用移高或移低八度的方法来记低声部或高声部。例如：男高音、男低音、琵琶、低胡用高八度记谱；梆笛、板胡用低八度记谱等便是。
音的长短是在音符后面或下面加短横线来表示的。
在简谱体系中也应用附点。但只到四分音符为止；再长的音符，如二分音符、全音符则继续用增加短横线来表示。
附点全音符： 1- - - - -
附点二分音符： 1- -
附点四分音符： 1.
附点八分音符： 1.
附点十六分音符：1.
表示音的休止的基本符号是0。为了表示不同长度的休止，可用增加0的数目、在0的右面加附点来标记。通常所用的休止符如下：
全休止符： 0 0 0 0 附点全休止符： 0 0 0 0 0 0
二分休止符：0 0 附点二分休止符： 0 0 0
四分休止符：0 附点四分休止符： 0.
八分休止符：0 附点八分休止符： 0.
十六分休止符：0 附点十六分休止符：0.
三十二分休止符：0（下加三横线）附点三十二分休止符：0（下加三横线）
长达数小节的休止，可用长休止号。写在小节内，上面的数目字表示休止小节的数目。
仅有长度而无一定高度的音，用X记号来表示，音的长短则用在X后面或下面加短横线来标记。
在简谱体系中不存在谱号问题。它的音高是通过音符和调号来表示的。
简谱中的拍号和五线谱一样，用分数标记，它和调号一起记在乐曲名称的左下方，先记调号后记拍号。乐曲名称的右下方则词曲作者的姓名。
速度标记和表情术语记在第一行乐谱开始处的上面。
在多声部的记谱中，小节线多半是分开的，各声部单独记写。但有的器乐曲的小节线是按照乐器的分组连起来的。不论是分开或不分开，各声部的小节线一定要上下对齐。
记谱时要注意音符的空间距离，使小节与小节，拍与拍的距离大致相等，一拍之内音符少的要写松一些；音符多的要写紧一些。少于四分音符的各种音符，低音点要记在短横线下面。
简谱体系中音值组合法的规则，基本上与五线谱相同。只是在复拍子中不用代表整小节的一个音符，而用连线把音符按单拍子分组后连结起来。
休止符的组合法和上面所谈情况相同，当然不必再用连线。
连音记号记在音符的上面，用开口的括弧加上表示连音的数目字来标记。
简谱中的移调非常简单，只要把调号改动一下便可以了。例如C大调的乐曲要移高大二度时，只要把1=C改成1=D便完成了。
简谱中变音记号只用升（#）、降（b）和还原三种，重升（×）、重降（bb）是不用的。
在简谱体系中，较长的确定的转调，不用临时变音记号，而用转调后的调号来标明。
五线谱中所用的装饰音记号、省略记号、力度记号、速度记号基本上都适用于简谱。
为了避免代表断音的圆点和高音点相混，在简谱中断音用▽或▼来表示。
短倚音用小的十六分音符或十八音符标记，写在主要音的左上方或右上方，并用连线与被装饰的主要音相连。
前奏、过门、尾声和五线谱一样，用小音符标记，有的也用括弧括起来。
记写和弦时，音符下面的短横线，仅在最低音下记出。
关于简谱的记谱法，目前还没有一个较完整的体系，以上所谈的仅是简谱中一般最普通的知识，是很不全面的。

乐理知识-五线谱
用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。
假使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
连谱号包括起线（连结数行五线谱的垂直线）和括线（连结数行五线谱的括弧）两个组成部分。
括线分花的和直的两种。
花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。
直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器，把它们分成完全的或不完全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线（花的或直的）来连接同种乐器。
在总谱中，独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话，左边只画一条起线，而不加括线。
为了标记过高或过低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线叫做加线，在五线谱上面的叫上加线，下面的叫下加线。
由于加线而产生的间，叫做加间，在五线谱上面的加间叫上加间，下面的叫下加间。
加线和加间的计算方法是：上加线和上加间，由下向上计算，下加线和下加间由上向下计算。

乐理知识-记谱法
记录乐曲的方法叫做记谱法。
在历史发展过程中，由于乐曲的不同内容和需要而产生了各种各样的记谱方法。如为古琴用的古琴谱，为锣鼓用的锣鼓谱，以及我们现在普遍应用的五线谱、简谱和在我国民间应用的工尺谱等便是。
各种记谱法虽然在其发展中不断地趋向完善，但到目前为止，世界上还没有一种记谱法能够完美无缺地记录音乐。如音高、力度、速度上的细微差异，许多装饰音的奏法等，都还需要演奏者凭其各自不同的理解来加以具体的分析和处理。
正确的记谱对创作和表演都是十分重要的，每个学音乐的人应该很好地掌握记谱法，特别是对学作曲的人来说，具有更为重要的意义。

秋墨楓 · 发表于 2005-8-4 03:17

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中国音乐简史

中国音乐是光辉灿烂的中国文化的一个重要组成部分。19世纪中叶之前，经历了远古、中古、近代三个时期。数千年的漫长岁月，以其多姿多彩的品种和内涵丰富的体系闻名于世。人们习惯上将他称为中国音乐的“古代期”或“传统期”，但每个历史上的时期都有“古”、“今”之分。
1 灿烂悠久的古代音乐古人说：音乐之所由来者远矣“吕氏春秋”。根据20世纪考古发现，中国音乐的历史源源不是三千年、五千年，而是八、九千年或者更为遥远，八、九千年依赖，中国音乐同中国文化一样，从未间断，这在世界古老文明中是很少见的。
a上古音乐：伟哉华夏乐亘古一脉通击石百兽舞箫韶奏九成在相关的历史文献，中国音乐起源传说一直可以追溯到黄帝时代。主要体裁石“六代乐舞”。从半坡遗址发现六千年前的半坡埙。在西周重要的音乐是宫廷雅乐，湖北出土的曾侯乙编钟。b中古音乐：乐府采诗颂相和大曲兴鼓吹起代北清商吴楚声这个时期为秦汉隋唐前。乐府始于秦，在汉武帝时代得到高度重视。汉代宫廷最有代表的音乐是“相和歌”，他是汉代各种民间歌曲的总称。相和歌原本是无乐器伴奏的徒歌，一人唱几人和，经乐府乐工加工整理，加入了琴、瑟、筝、琵琶，笙等丝竹乐器的伴奏，并由歌者敲击板或击鼓掌握节奏，史书中的“丝竹更相和，执节者歌。著名相和作品”江南可采莲，莲叶何田田，鱼戏莲叶间。……“这首歌曲被认为是相和歌的正声，叶是传于后世的最古的一首五言体乐府。他的前三句是独唱，后三句当为三人和。隋唐时期：民族大迁徙声情更相融乐奏十部伎舞旋丝路风隋唐燕乐最为光辉灿烂，燕乐是这个时期的主要标志。燕乐，又称宴乐。其是统治者享乐需要的汇集宫廷俗乐的总称。隋到贞观，有十部乐：燕乐、清商乐，西凉乐，天竺乐，高昌乐，龟兹乐，琉勒乐，康国乐，安国乐，高丽乐。作为一种传统音乐体裁，到唐朝时，中国古代音乐更丰富，达到前所未有的艺术水平。船行十里一曲犹未终唐人多壮举乐舞呈颠峰也就是这个时期，古代几种乐谱就形成在隋唐，中国古谱大约有32种，代表：文字谱，减字谱，俗字谱等。敦煌曲谱成为古谱学研究的热门课题。c近古代音乐：伶工失恩宠乐自民间兴填词协乐律说唱调诸官歌舞演鼓事杂剧得繁荣这一时期包括宋辽金元明清两宋时普遍流行曲子词，许多著名词人的作品被用语演唱，还出现了精通音律的词家。在宋元，真正作为说唱音乐品种而登堂入室的事鼓子词和诸宫调。而宋元最重要的伟大贡献事杂剧的产生。“宋人重乐论，著述颇硕丰，乐书卷浩繁，漫志多考证，琴史载琴家，笔谈见解精”。著名杂剧“汉宫秋、窦娥冤，西厢记，墙头马上，倩女离魂”等永垂史册。在音乐理论，从北宋到南宋，先后有四部重要乐学著作留给后人。最著名的是“乐书”。“四大声腔起，戏曲渐鼎盛，皮黄与梆子，昆高胡乱灯”，中国戏曲到明清两代，迈入了更为广阔的天地。有一幅著名图“清，同光十三绝图”，这一时期器乐独奏，合奏艺术特别是琵琶“海青拿天鹅”、“月儿高”、“十面埋伏”、“霸王卸甲”“浔阳月夜”灯十三大套曲的演奏艺术提高到空前水平，合奏更是品类繁多，百花齐放。福建南音，西安鼓乐，山西八大套，辽南鼓吹，北京智化寺音乐，江南丝竹，潮州弦丝，潮北锣鼓，陕北唢呐，鲁西南鼓吹，冀中笙管乐、弦索乐，广东音乐和少数民族的芦笙，冬不拉音乐，土家族打溜子音乐灯。可以说“明清理遗产，音乐集大成，长河源流远，传统得继承。”
说到中国传统音乐，就不能不说中国民间歌曲。民间歌曲简称民歌，泛指世界商各民族在其劳动、风俗、交往等社会活动中自发编唱的各种歌曲，因为编、唱传播者都是民间大众自己，所以统称“民歌”，这种称呼既指“民间”，又包含大众的意思。

弹歌狩猎图国风知民情口耳相习授十唱久不同民歌是人类的最早的艺术品种之一。他的起源几乎与音乐的历史一样久远。早在原始时代，先民在狩猎，搬运，祭祀，娱神，仪式，求偶等活动中开始了他们的歌唱。中国上古文献记录最早的文字民歌资料为“弹歌：断竹，续竹；飞土，逐肉”，歌曲十分的概括了原始时代狩猎的劳动全过程，全首民歌只有八个字，却好像一幅栩栩如生的原始狩猎图。民歌与书面文本相比，更具有艺术生命的鲜活性和生动性，保留在“诗经”中的一百首“国风”和汉乐府的许多五言体作品，都能头出数千年以后的“口头语言”的活力。在创作与传承上，民歌的最大特点实即兴性和变异性。十唱久不同久实所谓的十里不同俗，百里不同风的原因。例如，一首“茉莉花”，就有江苏、山东、辽宁、河北、黑龙江、山西、宁夏、台湾的地区之别。这就是民歌即兴创作，灵活变异这一特征的形成结果。
“世事皆入调  见景意交融  载负入厚土  浑然自天成”为了满足人们表达多种生活内容的要求，民歌从一开始久担当了多方面的社会功能，最重要的是实用性，即大多数民歌都是跟劳动，祭祀，风俗，社交等活动的一种手段。但在长期的传承积累中，在多种多样的歌唱实践中，中国民歌形成了丰富的体裁内容，几乎无所不包。
民歌主要品种：
1草原牧歌：狂野无涯际  缓马放歌行  水草丰盛处  调长舞雄鹰中国北部最具草原特色的就是牧歌，思乡曲，赞歌，宴歌，婚礼歌。蒙古语统称“乌日图音道”，意思是悠久的歌，所以汉意为“长调”，具有节奏缓慢，歌腔悠远，气息宽广，高亢奔放特征。唱词为多音节字句，压尾韵，四句构成一个段落，民歌有多少段落根据内容而定。代表曲目：辽阔的草原，四季，富饶美丽的阿拉善，旭日般升腾等。
2 高原山歌山野心无拘  哀怨自由衷  引吭抒胸臆  悠然面人生山歌是中国民歌代表体裁之一，是人们在山间野外放牧砍柴挑担锄草行路等个体劳动生活中随意咏唱的一种短小民歌。山歌一词，原指流传在四川湖北交界的“竹枝词”，这种民歌称呼来自唐诗人李益“无奈孤舟中，山歌闻竹枝”。明代泛指各类民歌歌调。山歌的曲体结构短小，精练，一般由上下句，四句或五句组成。北方山歌以上下句为主，南方山歌以四五句为主。南北山歌都普遍使用衬词，垛句，造成曲体结构的扩展。代表性山歌有：陕北“信天游”：信天游，不到头，到了头，咱穷人没活头。晋西北“山曲”：听得哥哥走西口，止不住伤心泪道往下流。内蒙古西部“爬山调”：大青山上卧白云，难活不过个想个人。陇中高原“花儿”：上去高山望平川，平川里有一朵牡丹。赣、粤、闽交界“客家山歌”：一阵日头一阵雨，看等无晴又有晴。大别山区“慢赶牛”，没找到经典。西南部高原诸族山歌：娘问女儿做啥子，我望槐花几时开。
3 劳动号子劝力同邪许一呼众声应心齐无艰难志和山摇动很多影视剧里大家都看过劳动时唱号子的镜头，我就不多说号子。主要介绍号子的种类。海洋渔民号子，流传于渤海黄海东海男孩的打鱼号子。号子从属于特定的程序，撑帆号子，装舱号子。著名有“渤海渔民号”、东海“舟山渔民号子”。江河船工号子，长江黄河及其支流上船工们传唱的号子。著名有“汉江船夫号子”、甘肃、宁夏的“黄河船夫号子”、河南巩县、三门峡“黄河船工号子”。码头搬运号子，流传于码头，货场的装卸，抬杠，推位等劳动场合的号子。另外有森林号子，工地建筑号子等。
4 稻田“田歌”歌驱劳作苦声祈年衿（错别字）风  锣鼓农家乐淳朴古遗风田歌的传唱方式，基本保留了劳动号子的特点，一般采用领唱，合唱形式，领与轮接唱形式和分组对歌形式，自由，舒缓，随兴而歌。特征为A大多数田歌采用多曲牌联结的套曲结构，B基本以散板式节奏为主。C旋律风格和歌唱发放多样化。
5 城镇“小调”里巷俗谣曲  酒肆词牌令  隔江闻商女  市井听歌工小调广泛流传在各城镇，集市的一种民歌体裁。所反映的社会内容最为广泛，不受某个特定社会阶层和具体劳动环境制约，歌唱对象不仅包括农民，城市小工业者和其他劳动者以及商人，市民，乃至江湖艺妓，贩夫走卒，和尚尼姑，流浪行乞者。所唱内容无所不包，各阶层的爱情婚姻，离别相思，风土人情，娱乐游戏，自然常识，民间故事。著名“打樱桃，绣荷包，小拜年，看灯，采茶”等。小调体裁突出特点是摆脱了受制于某种劳动的实用性功能。
6 云岭“双声”相映成谐趣  高低成双声  云行山回响  复音迭重重长期以来，很多人以为中国民歌一律是单声形态，直到1940年左右，才在中国西南少数民族发现了一组歌手同时唱两个声部的现象。他们自称双音，双声，双条落，公母声。双声民歌类型有两种，一种是劳动号子中存在有两声部民歌，另一种是在风俗活动中传唱的山歌，祭祀歌，礼仪歌，酒歌，歌舞曲等。著名有壮族的“上甲山歌”、景颇族“舂米歌”，还有“木刮基，小米丰收歌”等。
民歌的主要艺术特征：上下五千年  华乐真魂灵  大美同天地  灿烂若星河1，历史悠久，蕴藏丰厚。2，体裁丰富，风格多样。3，手法简洁，语言精练。

中国传统乐器和器乐

金声谐玉振钟鼓调管弦鼓器分八类乐奏有源源中国自古就是一个器乐艺术十分发达的国家。乐器按照各自使用的物质材料分为八种类别：即金，石，土，革，丝，木，匏，竹，称为八音。乐器分为四类：吹，拉，弹，唱。依器成组和传播在民间合奏用仪式独奏娱雅间器乐仪式的表演方式主要包括两个方面，一是合奏，一是独奏。在中国传统生活中，器乐合奏大多数都用于民间习俗和信仰仪式活动中。独奏在封建时代多半是文人以古琴，琵琶，箫等自娱，或在民俗场合中由唢呐，管子，笛演奏者作即兴演出，与合奏相比，形式，品种都要少一些。
1 器乐合奏传统的民间器乐合奏，依其不同的组合，可以分六类：锣鼓乐，唢呐锣鼓乐，鼓吹乐，丝竹锣鼓乐，丝竹乐，弦索乐。A 锣鼓乐：锣鼓势磅礴热烈且酣畅十番十样锦威风响八面这种和乐但存，乐队以单一色的打击乐器组成，少数情况下，可以加一两种有音高的乐器，如十面云锣等。B 吹打乐：吹打地域广唢呐笙笛管鼓为群音长坐行节奏缓在这种合奏音乐中，虽然有明确的主奏乐器，但打击乐依然有很重要的地位。C 鼓吹乐：鼓吹荐朝会僧道有古传和笙伴筚篥（音bili）大曲套十三一种以吹奏乐器为主，少量打击乐助奏的民间合奏。他的分布比任何民间乐种都更加广泛。D 丝竹乐：丝竹生水乡清雅尚柔婉幽深得古韵华丽制新篇以丝弦与竹管类乐器组成乐队演奏的音乐，主要流传南方各地。乐队规模不大，少则五人，多则十人。代表有江南丝竹，广东音乐，潮州弦诗，福建南音等。E 弦索乐：弦索品种少中洲遗微澜潮州筝曲谱《胡笳》声久远仅用丝弦乐器演奏的音乐。其品种颇少，流传也不广。目前只有弦索雅乐，中洲古乐和潮州筝谱三类。线索雅乐是指19世纪初蒙古族人荣斋收录的“弦索备考”。
2 器乐独奏在传统器乐的演奏活动中，独奏形式很少见。只介绍古琴，琵琶，筝，笛，二胡等乐器。A 琴：古琴文人乐历经三千年曲目烟波浩人文海蕴涵古琴，在中国音乐中，常常为了强调某些乐器，乐种才有很长的历史，都习惯加一个“古”字，如古筝，古乐等。其实，最古老的乐器，都以一个单字称呼。如琴，笙，埙，瑟，箫，笛等。关于这件乐器的历史，曾有很多传说和文献记载，太长，不说了。但神农削桐为琴，舜做五弦之琴还是请朋友自己查看。B 琵琶：琵琶马上鼓隋唐成大观声器咸流美于今更璀璨最初记载为枇杷或枇杷，弹弦乐器，在古代，琵琶一词曾做多种弹拨乐器的统称。“枇杷本出自胡中，马上所鼓也”－东汉。唐“敦煌琵琶谱，五弦谱现今还在演出。C 筝：施弦高且急名取筝筝然南北多流派雅俗同一源筝的称呼来自这件乐器的音响效果，古人说：施弦高且急，筝筝然也”，快而目者，真奏之声。筝最早为竹制的五弦乐器，汉魏演变为十二弦，唐以后为十三弦。明清至今，先后由十五弦，十六弦增加到二十一弦，二十五弦。代表曲目有“寒鸦戏水，昭君怨，黄鹂词，柳青娘，凤求凰”等。D 二胡：二弦马尾弓阳刚阴柔兼声名播中外明月映二泉二胡是中国拉弦乐器的代表，与琴，筝，琵琶等乐器相比，历史是最短的，但自明清以来，用途极广。到20世纪发展也最快，因此，它已经成为中国乐器艺术的代表之一。民间二胡多称为胡琴，南胡，胡胡等。二胡音域宽广，音质音色甜美，左右手技巧多样，阳刚阴柔兼而得之。E 笛：流水落梅花均孔七调翻北吹五梆子南奏花六板笛子为竹制管伸，管身开有吹孔，膜孔，两个出气孔及六个按音孔。一律用横吹姿势演奏。代表曲目：五梆子，喜相逢，放风筝，挂红灯等。
曲艺为我国广泛流传于民间的各种说唱艺术的总称。曲艺以说讲和歌唱为主要艺术手段，辅以动作、表情、口述等叙述故事，塑造人物。
曲艺文学有韵文、散文和韵、散相间等文体，按其曲目、书目脚本的篇幅、结构和内容容量等，又有短篇、中篇和长篇之分。曲艺音乐体式主要有曲牌联套体，单曲体，板腔体，曲牌板腔混和体，单曲体等。曲艺表演方式则有散说，韵唱，韵颂，韵唱散说相间等。任何方式都讲究要辅以传神和画龙点睛式的表情动作；尤讲运用包括语言，语音，声腔，声调和手，眼，身，法，步等等艺术手段在内的，对节目中的人和事的学、做和模拟；而其学和做，以及其说，唱，颂等，则又均系演员的叙述者的身份加以进行，不作按情节，人物分角色式的扮演，这与话剧，戏曲，电影和电视等演员的扮演性的表演的质的区别。
曲艺一词，最早见于《礼记，文王世子》“曲艺皆誓之”，汉代郑玄解释为：曲艺，为小技能也。
中华曲艺历史悠久，其源源可以上溯到我国先秦、两汉的小说、唱成相，杂赋。到两宋，曲艺发展到了兴盛时期，形成了鼓子词，诸宫调等。金元明清出现专门说唱长篇内容的平话，词话。到清朝，曲艺就成长为一棵参天大树，具有了当今流星的曲艺艺术形式。

中国古代曲艺历史略说

1 萌芽状态的古代雏形曲艺（上古－公元1911）由于缺乏切实可靠的历史记载和史料、文物的印证，对唐以前的曲艺是什么样子，如何产生，形成以及怎样演变发展，所见的资料也是零碎缺乏可信度，我就不说这段历史时期的曲艺。但给大家一段经典曲艺唱词：谁成相，世之殃，愚暗愚暗堕贤良，人主无贤，如瞽无相，何怅怅！－－－这是战果时期荀子模仿当时民间“成相歌词”所作的“成相篇”三首之一。句式很有意思，三，三，七，四，四，三。2 以“俗讲”为代表的唐代曲艺（公元618－公元960）曲艺发展到了唐代，在明间，在各类社会生活沃土里，终于勃发成长起来。形成了较为完整的演唱形式。俗讲有两种方式：逐字逐句的“讲唱经”、以讲故事为主的“讲唱变文”。俗讲方式为开始有一位主讲者端坐讲唱，而旁边有帮助何音乐伴奏，还要专门的人掀动一副副事先画好的画卷，以便配合说明内容，招徕听客，辅助主讲者的唱说。俗讲作品在敦煌石窟有发现。历史记载在唐有不少著名的演唱艺术家。3 步入繁盛时期的两宋曲艺（公元960－1279）两宋为曲艺兴盛发达的全盛时期。曲艺形成了艺术形式，从城市到乡村，也形成了演唱和欣赏曲艺热的热潮。尤其在农村，曲艺演出更加活跃热闹。此间的演唱形式特点为：先说“说话”，然后说“鼓子词”。4 以长篇讲史“平话”为主流的金、元、明、清的曲艺（公元907－1644）由于战乱，饥荒，特别是元，明两代帝王和官府的严令取禁，我国曲艺到了金元明时代，由宋的辉煌颠峰落到了低谷。但平话，词话却异军突起。有关平话的书目：武王伐纣书，秦并六国，七国春秋，三国，前汉，杨家将，列国，包工，海公，甚至三言二拍等出现。其经典在今依然表演。5 登上新高峰的清代曲艺(公元1644－1911)清代的康，乾盛世，曲艺进入了一个全面发展的鼎盛时期，在我国各地和各民族间发展和形成了近200多种说唱形式，数以百计的演出场地，上万名艺术家队伍。在演出场所有农村，集市，码头，庙会，水上，陆上，以及各种零散，流动的演出地点。评书，评话，弹词，相声等较大的曲艺演唱形式各自擅长，各展其能。代表演员有穷不平怕，等。
二、当代曲艺的发展这个时期是从五四到今天。这段时期的表现形式和代表人物我们在电视电影报刊杂志和教科书里接触比较多。
一、远古时期
　　中华民族音乐的蒙昧时期早于华夏族的始祖神轩辕黄帝两千余年。据今六千七百年至七千余年的新石器时代，先民们可能已经可以烧制陶埙，挖制骨哨。这些原始的乐器无可置疑地告诉人们，当时的人类已经具备对乐音的审美能力。　　远古的音乐文化根据古代文献记载具有歌、舞、乐互相结合的特点。葛天氏氏族中的所谓“三人操牛尾，投足以歌八阕”的乐舞就是最好的说明。当时，人们所歌咏的内容，诸如“敬天常”、“奋五谷”、“总禽兽之极”反映了先民们对农业、畜牧业以及天地自然规律的认识。这些歌、舞、乐互为一体的原始乐舞还与原始氏族的图腾崇拜想联系。例如黄帝氏族曾以云为图腾，他的乐舞就叫做《云门》。关于原始的歌曲形式，可见《吕氏春秋》所记涂山氏之女所作的“候人歌”。这首歌的歌词仅只“候人兮猗”一句，而只有“候人”二字有实意。这便是音乐的萌芽，是一种孕而未化的语言。

二、夏、商时期
　　夏商两代是奴隶制社会时期。从古典文献记载来看，这时的乐舞已经渐渐脱离原始氏族乐舞为氏族共有的特点，它们更多地为奴隶主所占有。从内容上看，它们渐渐离开了原始的图腾崇拜，转而为对征服自然的人的颂歌。例如夏禹治水，造福人民，于是便出现了歌颂夏禹的乐舞《大夏》。夏桀无道，商汤伐之，于是便有了歌颂商汤伐桀的乐舞《大蠖》。商代巫风盛行，于是出现了专司祭祀的巫（女巫）和觋（男巫）。他们为奴隶主所豢养，在行祭时舞蹈、歌唱，是最早以音乐为职业的人。奴隶主以乐舞来祭祀天帝、祖先，同时又以乐舞来放纵自身的享受。他们死后还要以乐人殉葬，这种残酷的殉杀制度一方面暴露了奴隶主的残酷统治，而在客观上也反映出生产力较原始时代的进步，从而使音乐文化具备了迅速发展的条件。据史料记载，在夏代已经有用鳄鱼皮蒙制的鼍鼓。商代已经发现有木腔蟒皮鼓和双鸟饕餮纹铜鼓，以及制作精良的脱胎于石桦犁的石磐。青铜时代影响所及，商代还出现了编钟、编铙乐器，它们大多为三枚一组。各类打击乐器的出现体现了乐器史上击乐器发展在前的特点。始于公元前五千余年的体鸣乐器陶埙从当时的单音孔、二音孔发展到五音孔，它已可以发出十二个半音的音列。根据陶埙发音推断，我国民族音乐思维的基础五声音阶出现在新石器时代的晚期，而七声至少在商、殷时已经出现。

三、西周、东周时期
　　西周和东周是奴隶制社会由盛到衰，封建制社会因素日趋增长的历史时期。西周时期宫廷首先建立了完备的礼乐制度。在宴享娱乐中不同地位的官员规定有不同的地位、舞队的编制。总结前历代史诗性质的典章乐舞，可以看到所谓“六代乐舞”，即黄帝时的《云门》，尧时的《咸池》，舜时的《韶》，禹时的《大夏》，商时的《大蠖》，周时的《大武》。周代还有采风制度，，收集民歌，以观风俗、察民情。赖于此，保留下大量的民歌，经春秋时孔子的删定，形成了我国第一部诗歌总集－－《诗经》。它收有自西周初到春秋中叶五百多年的入乐诗歌一共三百零五篇。《诗经》中最优秀的部分是“风”。它们是流传于以河南省为中心，包括附近数省的十五国民歌。此外还有文人创作的“大雅”、“小雅”，以及史诗性的祭祀歌曲“颂”这几种体裁。就其流传下来的的文字分析，《诗经〉中的歌曲以可概括为十种曲式结构。作为歌曲尾部的高潮部分，有专门的名称“乱”。在《诗经》成书前后，著名的爱国诗人屈原根据楚地的祭祀歌曲编成《九歌》，具有浓重的楚文化特征。至此，两种不同不同音乐风格的作品南北交相辉映成趣。　　周代时期民间音乐生活涉及社会生活的十几个侧面，十分活跃。世传伯牙弹琴，钟子期知音的故事即始于此时。这反映出演奏技术、作曲技术以及人们欣赏水平的提高。古琴演奏中，琴人还总结出“得之于心，方能应之于器”的演奏心理感受。著名的歌唱乐人秦青的歌唱据记载能够“声振林木，响遏飞云”。更有民间歌女韩娥，歌后“余音饶梁，三日不绝”。这些都是声乐技术上的高度成就。　　周代音乐文化高度发达的成就还可以一九七八年湖北随县出土的战国曾侯乙墓葬中的古乐器为重要标志。这座可以和埃及金字塔媲美的地下音乐宝库提供了当时宫廷礼乐制度的模式，这里出土的八种一百二十四件乐器，按照周代的“八音”乐器分类法（金、石、丝、竹、匏、土、革、木）几乎各类乐器应有尽有。其中最为重要的六十四件编钟乐器，分上、中、下三层编列，总重量达五千余公斤，总音域可达五个八度。由于这套编钟具有商周编钟一钟发两音的特性，其中部音区十二个半音齐备，可以旋宫转调，从而证实了先秦文献关于旋宫记载的可靠。曾侯乙墓钟、磐乐器上还有铭文，内容为各诸侯国之间的乐律理论，反映着周代乐律学的高度成就。在周代，十二律的理论已经确立。五声阶名（宫、商、角、徵、羽）也已经确立。这时，人们已经知道五声或七声音阶中以宫音为主，宫音位置改变就叫旋宫，这样就可以达到转调的效果。律学上突出的成就见于《管子－地员篇》所记载的“三分损益法”。就是以宫音的弦长为基础，增加三分之一（益一），得到宫音下方的纯四度徵音；徵音的弦长减去三分之一（损一），得到徵音上方的纯五度商音；以次继续推算就得到五声音阶各音的弦长。按照此法算全八度内十二个半音（十二律）的弦长，就构成了“三分损益律制”。这种律制由于是以自然的五度音程相生而成，每一次相生而成的音均较十二平均律的五度微高，这样相生十二次得不到始发律的高八度音，造成所谓“黄钟不能还原”，给旋宫转调造成不便。这种充分体现单音音乐旋律美感的律制一直延续至今。

四、秦、汉时期
秦汉时开始出现“乐府”。它继承了周代对采风制度，搜集、整理改变民间音乐，业绩终了大量乐工在宴享、郊祀、朝贺等场合演奏。这些用作演唱的歌词，被称为乐府诗。乐府，后来又被引申为泛指各种入乐或不入乐的歌词，甚至一些戏曲和气越也都称之为乐府。汉代主要的歌曲形式是相和歌。它从最初的“一人唱，三人和”的清唱，渐次发展为有丝、竹乐器伴奏的“相和大曲”，并且具“艳--趋--乱”的曲体结构，它对隋唐时的歌舞大曲由着重要影响。汉代在西北边疆兴起了鼓吹乐。它以不同编制的吹管乐器和打击乐器构成多种鼓吹形式，如横吹、骑吹、黄门鼓吹等等。它们或在马上演奏，或在行进中演奏，用于军乐礼仪、宫廷宴饮以及民间娱乐。今日尚存的民间吹打乐，当有汉代鼓吹的遗绪。在汉代还有“百戏”出现，它是将歌舞、杂技、角抵（相扑）合在一起表演的节目。　　汉代律学上的成就是京房以三分损益的方法将八度音程华划为六十律。这种理论在音乐实践上虽无意义，但体现了律学思维的精微性。从理论上达到了五十三平均律的效果。

五、三国、两晋、南北朝时期
由相和歌发展起来的清商乐在北方得到曹魏政权的重视，设置清商署。两晋之交的战乱，使清商乐流入南方，与南方的吴歌、西曲融合。在北魏时，这种南北融合的清商乐又回到北方，从而成为流传全国的重要乐种。汉代以来，随着丝绸之路的畅通，西域诸国的歌曲以开始传入内地。北凉时吕光将在隋唐燕乐中占有重要位置的龟兹（今新疆库车）乐带到内地。由此可见当时各族人民在音乐上的交流已经十分普及了。这时，传统音乐文化的代表性乐器古琴趋于成熟，这主要表现为：在汉代已经出现了题解琴曲标题的古琴专著《琴操》。三国时著名的琴家嵇康在其所著《琴操》一书中有“徽以中山之玉”的记载。这说明当时的人们已经知道古琴上徽位泛音的产生。当时，出现了一大批文人琴家相继出现，如嵇康、阮籍等，《广陵散》（《聂政刺秦王》）、《猗兰操》、《酒狂》等一批著名曲目问世。　　　　南北朝末年还盛行一种有故事情节，有角色和化妆表演，载歌载舞，同时兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戏。这已经是一种小型的雏形戏曲。　　　　这一时期律学上的重要成就，包括晋代荀瑁找到管乐器的“管口校正数”。南朝宋何承天在三分损益法上，以等差迭加的办法，创立了十分接近十二平均律的新律。他的努力初步解决了三分损益律黄钟不能还原的难题。

六、隋、唐时期
　　隋唐两代，政权统一。特别是唐代，政治稳定，经济兴旺，统治者奉行开放政策，勇于吸收外城文化，加上魏晋以来已经孕育着的各族音乐文化融合打基础，终于萌发了以歌舞音乐为主要标志的音乐艺术的全面发展的高峰。　唐代宫廷宴享的音乐，称作“燕乐”。隋、唐时期的七步乐、九部乐就属于燕乐。它们分别是各族以及部分外国的民间音乐，主要有清商乐（汉族）、西凉（今甘肃）乐、高昌（今吐鲁番）乐、龟兹（今库车）乐、康国（今俄国萨马尔汉）乐、安国（今俄国布哈拉）乐、天（今印度）乐、高丽（今朝鲜）乐等。其中龟兹乐、西凉乐更为重要。燕乐还分为坐部伎和立部伎演奏，根据白居易的《立部伎》诗，坐部伎的演奏员水平高于立部伎。　　风靡一时的唐代歌舞大曲是燕乐中独树一帜的奇葩。它继承了相和大曲的传统，融会了九部乐中各族音乐的精华，形成了散序－－中序或拍序－－破或舞遍的结构形式。　　见于《教坊录》著录的唐大曲曲名共有46个，其中《霓裳羽衣舞》以其为著名的皇帝音乐家唐玄宗所作，又兼有清雅的法曲风格，为世所称道。著名诗人白居易写有描绘该大曲演出过程的生动诗篇《霓裳羽衣舞歌》。　　唐代音乐文化的繁荣还表现为有一系列音乐教育的机构，如教坊、梨园、大乐署、鼓吹署以及专门教习幼童的梨园别教园。这些机构以严密的考绩，造就着一批批才华出众的音乐家。文学史上堪称一绝的唐诗在当时是可以入乐歌唱的。当时歌伎曾以能歌名家诗为快；诗人也以自己的诗作入乐后流传之广来衡量自己的写作水平。　　在唐代的乐队中，琵琶是主要乐器之一。它已经与今日的琵琶形制相差无几。现在福建南曲和日本的琵琶，在形制上和演奏方法上还保留着唐琵琶的某些特点。　　受到龟兹音乐理论的影响，唐代出现了八十四调，燕乐二十八调的乐学理论。唐代曹柔还创立了减字谱的古琴记谱法，一直沿用至近代。

七、宋、金、元时期
　宋、金、元时期音乐文化的发展以市民音乐的勃兴为重要标志，较隋唐音乐得到更为深入的发展。　　随着都市商品经济的繁荣，适应市民阶层文化生活的游艺场“瓦舍”、“勾栏”应运而生。在“瓦舍”、“勾栏”中人们可以听到叫声、嘌唱、小唱、唱赚等艺术歌曲的演唱；也可以看到说唱类音乐种类崖词、陶真、鼓子词、诸宫调，以及杂剧、院本的表演；可谓争奇斗艳、百花齐放。这当中唱赚中的缠令、缠达两种曲式结构对后世戏曲以及器乐的曲式结构有着一定的影响。而鼓子词则影响到后世的说唱音乐鼓词。诸宫调是这一时期成熟起来的大型说唱曲种。其中歌唱占了较重的分量。　　承隋唐曲子词发展的遗绪，宋代词调音乐获得了空前的发展。这种长短句的歌唱文学体裁可以分为引、慢、近、拍、令等等词牌形式。在填词的手法上已经有了“摊破”、“减字”、“偷声”等。南宋姜夔是既会作词，有能依词度曲的著名词家、音乐家。他有十七首自度曲和一首减字谱的琴歌《古怨》传世。这些作品多表达了作者关怀祖国人民的心情，描绘出清幽悲凉的意境，如《扬州慢》、《鬲溪梅令》、《杏花天影》等等。　　宋代的古琴音乐以郭楚望的代表作《潇湘水云》开古琴流派之先河。作品表现了作者爱恋祖国山河的盎然意趣。在弓弦乐器的发展长河中，宋代出现了“马尾胡琴”的记载。到了元代，民族乐器三弦的出现值得注意。　　在乐学理论上宋代出现了燕乐音阶的记载。同时，早期的工尺谱谱式也在张炎《词源》和沈括的《梦溪笔谈》中出现。近代通行的一种工尺谱直接导源于此时。　　宋代还是我国戏曲趋于成熟的时代。它的标志是南宋时南戏的出现。南戏又称温州杂剧、永嘉杂剧，其音乐丰富而自然。最初时一些民间小调，演唱时可以不受宫调的限制。后来发展为曲牌体戏曲音乐时，还出现了组织不同曲牌的若干乐句构成一种新曲牌的“集曲”形式。南戏在演唱形式上已有独唱、对唱、合唱等多种。传世的三种南戏剧本《张协状元》等见于《永乐大曲》。　　戏曲艺术在元代出现了以元杂剧为代表的高峰。元杂剧的兴盛最初在北方，渐次向南方发展，与南方戏曲发生交融。代表性的元杂剧作家有关汉卿、马致远、郑光祖、白朴，另外还有王实甫、乔吉甫，世称六大家。典型作品如关汉卿的《窦娥冤》，《单刀会》，王实甫的《西厢记》。元杂剧有严格的结构，即每部作品由四折（幕）一楔子（序幕或者过场）构成。一折内限用同一宫调，一韵到底，常由一个角色（末或旦）主唱，这些规则，有时也有突破，如王实甫的《西厢记》达五本二十折。元杂剧对南方戏曲的影响，造成南戏（元明之际叫做传奇）的进一步成熟。出现了一系列典型剧作，如《拜月庭》、《琵琶记》等等。这些剧本经历代流传，至今仍在上演。当时南北曲的风格已经初步确立，以七声音阶为主的北曲沉雄；以五声音阶为主的南曲柔婉。　　随着元代戏曲艺术的发展，出现了最早的总结戏曲演唱理论的专著，即燕南之庵的《唱论》，而周德清的《中原音韵》则是北曲最早的韵书，他把北方语言分为十九个韵部，并且把字调分为阴平、阳平、上声、去声四种。这对后世音韵学的研究以及戏曲说唱音乐的发展均有很大的影响。

八、明、清时期
　　由于明清社会已经具有资本主义经济因素的萌芽，市民阶层日益壮大，音乐文化的发展更具有世俗化的特点明代的民间小曲内容丰富，虽然良莠不齐，但其影响之广，已经达到“不问男女”，“人人习之”的程度。由此，私人收集编辑，刊刻小曲成风，而且从民歌小曲到唱本，戏文，琴曲均有私人刊本问世。如冯梦龙编辑的《山歌》，朱权编辑的最早的琴曲《神奇秘谱》等。　　明清时期说唱音乐异彩纷呈。其中南方的弹词，北方的鼓词，以及牌子曲，琴书，道情类的说唱曲种更为重要。南方秀丽的弹词以苏州弹词影响最大。在清代，苏州出现了以陈遇乾为代表的苍凉雄劲的陈调；以马如飞为代表的爽直酣畅的马调；以俞秀山为代表的秀丽柔婉的俞调这三个重要流派。以后又繁衍出许多新的流派。北方的鼓词以山东大鼓，冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韵大鼓较为重要。而牌子曲类的说唱有单弦，河南大调曲子等；琴书类说唱有山东琴书，四川扬琴等；道情类说唱有浙江道情，陕西道情，湖北渔鼓等，少数民族也出现了一些说唱曲如蒙古说书、白族的大本曲。　　明清时期歌舞音乐在各族人民中有较大的发展，如汉族的各种秧歌，维吾尔族的木卡姆，藏族的囊玛，壮族的铜鼓舞，傣族的孔雀舞，彝族的跳月，苗族的芦笙舞等等。　　以声腔的流布为特点，明清戏曲音乐出现了新的发展高峰。明初四大声腔有海盐、余姚、弋阳、昆山诸腔，其中的昆山腔经由江苏太仓魏良甫等人的改革，以曲调细腻流畅，发音讲究字头、字腹、字尾而赢得人们的喜爱。昆山腔又经过南北曲的汇流，形成了一时为戏曲之冠的昆剧。最早的昆剧剧目是明梁辰鱼的《浣纱记》，其余重要的剧目如明汤显祖的《牡丹亭》、清洪升的《长生殿》等。弋阳腔以其灵活多变的特点对各地的方言小戏发生重要影响，使得各地小戏日益增多，如各种高腔戏。明末清初，北方以陕西西秦腔为代表的梆子腔得到很快的发展，它影响到山西的蒲州梆子、陕西的同州梆子、河北梆子、河南梆子。这种高亢、豪爽的梆子腔在北方各省经久不衰。晚清，由西皮和二黄两种基本曲调构成的皮黄腔，在北京初步形成，由此，产生了影响遍及全国的京剧。　　明清时期，器乐的发展表现为民间出现了多种器乐合奏的形式。如北京的智化寺管乐，河北吹歌，江南丝竹，十番锣鼓等等。明代的《平沙落雁》、清代的《流水》等琴曲以及一批丰富的琴歌《阳关三叠》、《胡茄十八拍》等广为流传。琵琶乐曲自元末明初有《海青拿天鹅》以及《十面埋伏》等名曲问世，至清代还出现了华秋萍编辑的最早的《琵琶谱》。明代末叶，著名的乐律学家朱载育计算出十二平均律的相邻两个律（半音）间的长度比值，精确到二十五位数字，这一律学上的成就在世界上是首创。

九、近现代时期
　　这一时期始自清代末叶的鸦片战争，在历经一系列反帝反封建的农民革命，戊戌变法、辛亥革命、“五四运动”，以及中国共产党领导下的新民主主义革命，这一百多年来，音乐文化的发展交织着传统音乐和欧洲传入的西洋音乐，但音乐文化的发展是以民主，科学为主要潮流的。　　传统音乐首先以革命民歌的发展为以热潮，如反映太平天国革命的《洪秀全起义》，抗议沙俄入侵的《迫迁歌》，“五四”时期痛斥军阀出卖祖国镇压百姓的城市小调《坚持到底》，《苦百姓》等，在红色根据地，边区，解放区，革命歌曲更具有优秀的传统，如《天心顺》，《绣金匾》等。戏曲音乐中京剧的形成影响及于全国，出现了程长庚、谭鑫培以及后来的梅兰芳、程砚秋、周信芳等一代名优。各种地方小戏、评剧、越剧、楚剧等也获得了较快的发展，民族器乐则以民间出现各种器乐演奏的社团为特点，如“天韵社”，“大同乐会”等等。这反映出民族器乐的发展有着深厚的民间活动基础。这种民族音乐民间活动的特点造就出许多卓越的民间艺人，其中华彦钧（瞎子阿炳）就是杰出的代表。此外，各种琴谱、琵琶谱的编定、出版也多了起来。　　西洋音乐的传入中国虽可以上溯到元、明时期，但作为一种文化形态影响于中国应当是清末民初的学堂民歌运动。当时一些要求效法欧美，富国强兵的维新派知识分子倡导了这一运动，如梁启超、沈心工、李书同等。学堂乐歌作为学生音乐教材，以宣传爱国反帝，拥护共和，以及学习欧美科学文明为内容，如《中国男儿》，《体操－兵操》等，这些乐歌又不仅流传于学校，而且广泛影响到社会各界。这些乐歌多借用外来曲调填词，也有少数根据本国曲调填词，还有少数创作曲调。　　在“五四”新文化运动的影响下，我国开始兴起了传播西洋音乐，改进国乐的音乐活动，并建立了一些音乐社团，如“北大音乐研究社”、“中华美育社”、“国乐改进社”。而专业音乐教育最初就是在这些音乐社团的基础上建立的。二十世纪二十年代，肖友梅又在上海创建国立音乐院，这是正规专业音乐教育的开始。肖友梅呕心呖血，毕生献给了我国早期专业音乐教育事业。“五四”时期，著名的语言学家、作曲家赵元任是我国早期专业音乐创作的代表人物之一，他注意民族语言音调同歌曲音调的结合，善于吸收传统音乐中的营养，写出了《卖布谣》，《教我如何不想他》等流传至今的作品。民族音乐家刘天华则从学习西洋音乐中探索改进国乐的道路，创办了“国乐改进社”，写出了《光明行》、《空山鸟语》、《病中吟》等二胡独奏曲，并且把二胡纳入专业音乐教育课程。黎锦晖创作了大量的儿童歌舞剧，如《小小画家》、《麻雀与小孩》以及歌舞表演剧《可怜的秋香》等，这些作品也是我国新歌剧创作的的早期探索。王光祈作为我国第一代音乐学家，在中国音乐史学以及比较音乐学上具有开创性的贡献。三十年代著名的音乐教育家，作曲家黄自对专业音乐教育的巩固和提高做了大量工作。他培养出一批专业音乐工作者如刘雪庵，江定仙，贺绿汀等，他创作的《玫瑰三愿》、《南乡子》等艺术歌曲仍然回响在今天的音乐会舞台上。他还写出了我国第一部清唱剧《长恨歌》。这一时期，专业音乐的发展以歌曲为主要体裁，器乐曲相对来说较为薄弱。但在器乐作品民族化方面也出现了一些较好的作品，如贺绿汀的钢琴曲《牧童短笛》，瞿维的钢琴曲《花鼓》，马思聪的小提琴曲《内蒙组曲》，马可的管弦乐曲《陕北组曲》，民族器乐曲如《春江花月夜》，以及华彦钧的《二泉映月》。

秋墨楓 · 发表于 2005-8-4 03:21

音乐的六大要素
　　音乐被称作是“声音的美妙组合”。为了给入门者引路，本章用浅显易懂的词句探讨作曲家组合自己的乐音所使用的6要素。大致熟悉这些要素，有助于你理解为什么某些时代的某些作曲家创作的音乐，听起来与其他时代的其他作曲家创作的音乐差异如此之大，例如，为什么莫扎特与斯特拉文斯基如此不一样。
　　这６要素是：节奏（Rhythm）、结构（Texture）、曲式（Form）、旋律（Melody）、音色（Tone Color）、调性（Tonality）
节奏
　　《韦氏大词典》将节奏定义为“音乐的一个方面它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音、节拍和速度）”。“进行”在这里是个关键词，节奏即是音乐的进行。实际上，节奏这个词是由希腊字“rhein”即“流动”衍生出来的。呼吸有节奏，潮水的涨落、钟表的滴答声以及火车车轮的咔哒声也都有节奏。J.S.巴赫的《勃兰登堡协奏曲》具有“鲜明、有力的”节奏。
　　我们用脚拍打出的就是节奏，它是“曲调的快慢缓急”。《鸳鸯茶》（Tear for Two）一曲，用脚打出的节拍不同于美国民主党在总统提名大会上百所不厌的《幸福的日子重现》（Happy Days Are Here Again）的节拍。约翰·施特劳斯的圆舞曲《蓝色多瑙河》的节拍也不同于水手歌的节拍。拍子的频率、规律性和持续长短有所不同。格利高利调式圣歌具有“自由节奏”，其音乐的节奏是紧跟着语言的节奏的。像维瓦尔第的《四季》和巴赫的《勃兰登堡协奏曲》那样的巴洛克时期作品，节奏平稳清晰。20世纪音乐的突出特色之一是，在匈牙利的巴托克和俄罗斯的斯特拉文斯基等作曲家的作品中，采用了民间的、标新立异的“乡村”（peasant）节奏。巴托克的《怪异的满洲官吏》（Miraculous Mandarin）和斯特拉文斯基的《春之祭》（Rite of Spring）的节拍，是在莫扎特的奏鸣曲或舒伯特的交响曲中从未听到过的。印象派作曲家德彪西在像《月光》（Clairde lune）这样的作品中引进了一种流动的节奏，因为他不想让自己的乐曲有一个固定的、一成不变的方向。
　　节奏的一个要素是节拍（meter），它的定义是“系统地测定和安排的节奏”。作曲家可选择二拍、三拍或四拍等等。既是教授又是作家的马克利斯（JosephMachlis）在《音乐欣赏》（ The Enjoyment of Music）中提出了几个常见例子，譬如；当唱“一闪，一闪，亮晶晶”时，你可以听到并感觉到一／闪、一／闪中的一／二、一／二的节拍。
　　节奏的另一个要素是速度（tempo）。节拍说明什么是重音，但并未说明奏出这些重音的速度是多快或多慢。作曲家在总谱上标上符号，告诉演奏者应当用多快或多慢的速度演奏该乐曲。他们一般使用传统的意大利文的单字或词。其中最常见的是：
　　广板（Large）
　　非常缓慢庄严而缓慢的（Grave）
　　慢板（Lento）慢速
　　柔板（Adagio）
　　行板（Andante）　　中速
　　小行板（Andantino）
　　中板（Moderato）
　　小快板（Allegretto）适当快速
　　快板（Allegro）快速
　　很快的快板（Allgero molto）　　非常快速
　　活泼的、轻快的（Vivace）
　　急板（Presto）
　　最急板（Prestissimo）
　　
　　怎样运用节奏对音乐的影响极大。
结构
　　旋律是横向的，音符一个接着一个。“结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的一个方法是使用和声（harmony）。一个人不能给自己的声音配上“和声”，他需要一位朋友与他一起唱，或者需要一把吉他来弹拨。你如果在淋浴时歌唱，就必须与一位朋友一同淋浴才能有和声。和声使乐曲具有深度；这很像透视法使绘画作品具有深度一样。旋律是一连串乐音，而和声却是同时响起的乐音，过去认为最相关的乐音，而实际上是悦耳的相关乐音的一种结合。
　　和弦（chord，，即同时发出三个或三个以上的音）在和声中扮演重要角色。和弦不仅涉及到每个和音以及每个和音同它所配合的旋律之间的关系，而且还涉及到和音的律动和彼此的关系。当和弦“向前进行和发展”时，在一个和音引导出其他和音时便能感觉到它的影响。以单一旋律为主、有和弦伴奏的音乐叫作“主音音乐”（homophonic），这个词源于希腊文“homophonos”，意即“齐奏”。古典主义和浪漫主义时期的许多音乐作品（如贝多芬和李斯特的音乐作品）是主音音乐。但文艺复兴时期和巴洛克时期的大部分音乐作品（如帕莱斯特里纳和巴赫的音乐作品）却不是主音音乐。
　　在用旋律加和弦构成的音乐作品中，和弦往往是由“协和”（consonant）音——即听起来悦耳的、平和的、不刺激人的、稳定的乐音——所组成的。但是，和弦也可以用音级不断变化、确实刺耳的乐音——即“不协和的”、“活跃的”、“不平稳的”乐音所组成，这种不协和的和弦被作曲家用来制造紧张状态，而协和的和弦则被用来缓解这种紧张状态、从一个和音到另一个和音的前后律动，就是和声的全部内涵。
　　在主音音乐中使用和声是结构的一种类型，但它不是唯一的类型。使用“复调”（counterpoint），又名“对音符”（即“一个音符对一个音符”的技巧）这一古老的音乐技巧，也可以创造结构。在这种音乐中，取得深度靠的不是给一个旋律增加和弦，而是使一个旋律与另一个旋律叠置起来，从而让人能够同时听到这两个旋律。唱《三只盲人》（Three Blind Micwe）等轮唱歌曲便是采用了简单的复调法。如果同时使用两个或两个以上的“声部”，运用这一技巧创作出来的音乐叫作“复音音乐”（polyphonic），“poly”的意思是“许”。巴赫被人们一致公认为复调法之王（这并不令人惊讶，因为他是其他许多方面之王），尽管他1685年才出生，那时复调Ｉ法已经存在几百年了。事实上，当时首先在意大利，然后在欧洲其他地方，复调法正开始被单一旋律加和弦的主音音乐所补充和／或接替。老是聚集在歌剧院里的意大利人发现。与多旋律复调法相比，歌唱家和听众都更喜欢配上和弦的单一旋律。
　　复调技巧使人们找出和领会巴赫等作曲家（或者不断涌现并在20世纪创立了回归巴赫学派的近代巴赫/巴洛克式的作曲家）作品中的一个强烈旋律，比找出和领会古典主义和浪漫主义作曲家的单旋律作品中的旋律难得多。在复调法音乐中，仔细聆听一套乐器奏出一个曲调，别的乐器（或“声部”）同时奏出第二个，也许还有第三个曲调，你可以辨认出和跟上这些不同的曲调，它们就在那里。
　　但是，对更习惯于旋律加和弦那种和声的人而言，需要经过训练和有耐心才能找出它们。当然，复调法的爱好者坚持认为，在他们那种音乐中很值得努力去找出曲调来（无论你对巴赫的第一印象如何，如果你今心致志只听他一个人的作品，要不了几周，你就会成为一个狂热的爱好者，终生不悔。他的最后一部作品《赋格艺术》（The Art od the Fugue）被认为达到了复调法的顶峰。不过，他的4首管弦乐组曲听起来更有意思）。
　　通过复调法或和声获得深度就叫作赋予音乐以“结构”。这大概是因为“横向的”音符串（在复调法中，一个旋律和另一个旋律同时奏响）和‘纵向的”音符串（在和声中，旋律有和弦伴奏）交织在一起，恰似经纬线交织在一起创造出了布的结构。
　　还有第三个词，既非复音音乐复调法，也非旋律加和弦的主音音乐。它就是“单音音乐”（monophonic）。“mono”的意思即是“一”.这是一个声部的简单音乐——你可以在淋浴时独自唱出一串音符，上千人也可以同时唱出同一串音符。没有和弦，因此也没有和声；没有同步的第二个旋律，因此也没有复调法。 1000年前的所有音乐都是单音音乐，包括公元１０００年左右的基督教音乐，这种音乐的顶峰是格利高利调式圣歌。
　　规则手册中没有说，作曲家在作曲时只能使用这3种技巧之一。一首作品的一部分可以用主音音乐结构写成，而下一部分则可重复这个旋律并附加上一个新的旋律，从而发展成为复音音乐结构。音乐的组合就像织物一样，可粗可细。在巴赫使复调法完善这段期间，到复调法随着２０世纪回归巴赫运动而重新出现这段期间，复调法并未消失。古典主义和浪漫主义作曲家也采用复调法，只不过复调法在他们的音乐中不占主要地位。
曲式
　　第五个因素是作曲家选择的‘建筑”形式，即曲式。很明显，音乐需要一定的结构，那些组成旋律的音符、节奏及和声不可能平摆浮搁在那里，等待神灵去召唤。音乐上的每一时期都体现了特定的音乐形式，反映出时代的特色、对音乐知识的理解、作曲家的技巧和所要达到的目的，以及听众的欣赏品味。
　　这些结构或模式可以是严谨的，也可以是自由的。作品采用严谨的曲式并不说明作曲家缺乏想象力或独创性，如巴赫、莫扎特和贝多芬的作品就是如此。问题不在于采用什么曲式，而在于赋予曲式什么内容。对于业余音乐爱好者来说，那些作品模式、结构或曲式不正规的音乐不但难以跟上思路，而且不容易理解，这个道理就同我们欣赏抽象派雕塑和无韵诗时的情形一样。
　　一些主要的曲式名称，如交响曲，因其仍在流行，所以人们一般都知道，但一些较古老的曲式人们则比较陌生。在文艺复兴时期，声乐作品远比器乐作品重要，它的主要曲式包括经文歌（motet）和牧歌（madrigal）。在巴赫所处的巴洛克时代，人们特别注重以管风琴、拨弦古钢琴和古钢琴为主要乐器演奏的音乐，曲式主要为帕萨卡利亚舞曲（passacaglia）和赋格（fugue）。
　　古典派作曲家主要感兴趣的是独奏类奏鸣曲、交响曲、弦乐四重奏和协奏曲。而浪漫派作曲家则发展出交响诗和短小抒情的钢琴小品，如前奏曲和波兰舞曲（polonaise）。现在，让我们暂时对“曲式”进行一番细致的观察吧。
　　柯普兰在５０年代写过一本名叫《如何欣赏音乐》（ What to Listen For in Music）的书。他在书中描述了我们所能遇到的有关曲式方面的名词。他说，一部长篇小说可以分为第一卷、第二卷、第三卷和第四卷，在音乐中我们将之称为乐章（movement）。书的每一卷由若干章组成，作曲家将其称为段（section）。一章也许有100个段落作为更小的单位，音乐的段也有更小的单位，但没有类似的术语。书的段落由句子组成，柯普兰把乐曲中的类似句子的单位称为“乐思”（music idea）。最后，小说家使用的是文字，作曲家使用的是音符（note）。
　　音乐界人士喜欢说，不论采用什么曲式，音乐作品结构的基本法则是重复和对比，与“统一和变化”（unity and variety）。
　　现在，我们来讨论相当于小说中章的部分——一音乐作品的段，我们用Ａ和Ｂ作为段的名称。由此构成的曲式分为二段式和三段式两种。
　　在由二段式写成的作品中，每个段可以重复，细心的听众可以首先听到Ａ段，然后是Ａ段的重复，随后是Ｂ段，然后Ｂ段的重复，即Ａ-Ａ-Ｂ-Ｂ的曲式。在二段式曲式中，Ｂ段通常是对Ａ段略加变奏产生。在1650~1750年间，用这种二段式曲式写成的作品占很大的比重，其中包括成千上万的键盘器乐小品。17世纪的组曲（suite）由4至5个这类作品组成，每个作品是一种特定类型的舞曲，如阿勒曼德舞曲（allemande）、库朗舞曲（courante）、萨拉班德舞曲（sarabande）和基格舞曲（gigue）等。在排行榜中提到的作曲家中，库普兰出版过4集二段式曲式的键盘器乐小品。
　　在三段式曲式的作品中，作曲家的典型作法是首先出现Ａ段，然后是Ｂ段，然后再回到Ａ段，即Ａ-Ｂ-Ａ的曲式。这里的Ｂ段和二段式曲式中的Ｂ段不同，它和Ａ段形成鲜明的对比。第二次出现的Ａ段可以和第一次出现时完全一样，也可以是它的变奏。典型的三段式作品如海顿和莫扎特的小步舞曲（minuet）。
　　从一开始，这样或那样的重复就在古典音乐中占据了主导地位。柯普兰把音乐结构中的重复分为五种类型：完全重复、对称式重复、变奏式重复、赋格式重复和发展式重复。
　　二段式和三段式曲式分别是完全重复和对称重复的范例，帕萨卡利亚舞曲和沙松获曲（chaconne）代表了变奏式重复，赋格、大协奏曲、圣咏前奏曲、经文歌和牧歌代表了赋格式重复，奏鸣曲代表的则是发展式重复。
　　我们会遇到许多这种“基本的”曲式——从交响曲到某种称作“主题与变奏”的东西，以及诸如前奏曲和交响诗等（自由）曲式。为本书的目的，“曲式”一词还将包括诸如歌剧（opera）、神剧（oratorio）、弥撒（mass）和清唱剧（cantata）等声乐艺术形式。
旋律
　　第二个要素是旋律或曲调，它是由连续演奏的一些音符所造成的。旋律是该曲子所要表达的意思，但20世纪的一些乐曲例外。即使在今天，旋律仍然是大部分人想要听的东西。从技术上讲，人们可以创造出两个音符的旋律，我们从布谷鸟和北美鹑（bobwhite）的叫声中可以听到两个单音，一个接着一个。人们不用任何其他声音，也不用任何伴奏，就可以哼出、唱出、吹出这两个音来。旋律历来以一个特定的音为中心，这个直是起始点、核心点和结束点，曲子中的其他音都与它有联系。作曲家为其作品的起点所挑选出的那个中心音叫作“主音”（tonic见本章“调性”一节）。
　　掌握某些音乐作品中的旋律比另外一些容易。与海顿的交响曲的古典旋律相比，舒曼的交响曲的浪漫旋律更加热情奔放，抒发个人感情。创作一首成功的（甚至伟大的）作品不必采用很强的旋律，但是动听的、容易哼唱的旋律，总会给予普通的外行听众更多的欢乐。许多没有研究或分析过音乐的人，很容易被擅长旋律的作曲家所吸引，例如本书入选排行榜上最卓越的曲调制作者之一的柴科夫斯基。与巴洛克时期的作曲家和20世纪的一些作曲家相比，古典作曲家和浪漫作曲家都使自己的旋律更容易上口。长旋律线比短促的旋律容易掌握。例如，勃拉姆斯的小提琴协奏曲，其旋律的重复就比亨德密特的多得多。
音色
　　古典音乐所使用的每一件乐器都有自己的音色。例如，长笛（flute）的声音（或“音色”）与大号（tuba）大不相同，即使这两样乐器演奏完全一样的音符。假设一个管弦乐团中有20件各不相同的乐器——从小提琴到低音提琴、从小号（trumpet）到大号、从短笛（piccolo）到巴松管（bassoon）——作曲家面对的音色，就像美术家调色板上的色彩一样多。这些音色在配器法中起重大作用，配器法就是为管弦乐团作曲的方法。
　　本书排行榜上最优秀的配器家之一是俄罗斯浪漫主义作曲家里姆斯基科萨科夫，他说：“配器法是作品灵魂的一部分。一首为管弦乐团想出的作品，是离不开某些音色的。”配器法还涉及各种乐器的音量、音域、它们一起演奏时听起来如何，甚至还涉及它们能演奏得多快这类的技术问题，管弦乐团那一章有关于配器法的更详细地介绍。
　　音乐界人士有时喜欢把各种音质等同于特定色彩。竖笛（clarinet）能发出一种类似柔和色调（也许是蓝色色调）的声音，而小号发出的声音则像火红的色调。从这里再进一步，就可以联想到和那些色彩相似的不同情感。例如，音乐学家艾尔森（Arthur Elson）提出了下列的对应:
　　小提琴——表现所有情感
　　中提琴——表现浓浓的愁思
　　大提琴——表现所有情感，但比小提琴所表现的更加强烈
　　短笛——表现狂欢
　　双簧管（oboe）——表现质朴的欢乐和悲怆
　　小号一一一一现大胆、勇武和骑兵渐近的声音
　　大号一表现力量，也可能是粗扩
　　英国管（English horn）——表现朦胧的愁思
　　竖笛——在中音区表现流畅和温柔
　　浪漫主义时期的作曲家更注意音色，因为重点已从“绝对”（absolute）音乐转移到“标题”（program）音乐，即讲述故事、描绘心境或事件的音乐上，而作曲家在给听众的铅印节目单上确实讲述了这样的事件。如果浪漫派作曲家想让你听到大海汹涌澎湃、鸭子呱呱叫、情人“对话”，或者想像出打败恶龙的超凡胜利，他需要充分利用现有的，或者有可能得到的乐器的不同声音。因此，柏辽兹、李斯特和理查·施特劳斯这些19世纪注重标题音乐的浪漫主义作曲家，比古典主义作曲家海顿或莫扎特更关心音色。这些古典主义作曲家谱写“纯”音乐或“绝对”音乐，也就是为音乐而音乐，或“仅仅是音乐而已”。此外，就像节奏、旋律、结构或音乐的任何其他要素一样，一些作曲家强调音色，只是因为他们的天资将他们引向那里，或者因为他们试图摆脱过去的经验和常规，或者因为他们富于幻想。要用音乐去表现一头怒吼的雄狮或一个鸦片烟馆，需要一些想象力。
调性
　　任何行业都有行业里的行话。品酒家说他的“嗅觉具有权威，但不咄咄逼人”.站柜台的人会大喊“汉堡八十六”（即都卖光了）。足球运动员有“一双好手”、’‘一双快脚’和一付“好头脑”。而五角大楼里的将军则让他的“武器系统”具备“基本的作战性能”。音乐界也不例外，我们要讨论的第六个因素就是“调性”。它将把我们带到不同的目的地，其中包括不协和音（dissonance），这一点我们刚才已有简单的论述。
　　“他以不协和音著称。”我们听到人们评论一个作曲家。
　　“他信守作品的调（key）。”我们听到人们评论另外一个作曲家。
　　“他的作品充满了多调性（polytonality）的特点，虽然有时接近无调性（atonality），但他从未完全放弃调性。”这是对第三位作曲家的书面评论。
　　尽管对音乐学院的年轻学生而言，这些话简单得如同儿语，但对我们中的有些人来说，恐怕还得经过一番解释才会明白到底什么是调性。本书虽是一本浅显的入门读物，但我们仍需接触调性的概念，这也许正是入选作曲家的作品为什么彼此大相径庭的原因，故事要从公元前500年的毕达哥拉斯及其理论计算关系的概念讲起。它与作品的“调”有关，如德沃夏克的《弦乐小夜曲》（Serenade for Strings）又称为“Ｅ大调弦乐小夜曲”。
　　我们最好从一根拉紧了的弦开始讲起。当这根弦受到拨动时，它会发出固定领率的声音，即发声时，这根弦的每秒振动次数相等。钢琴的最低音每秒振动30次，最高音每秒振动40次。不论琴弦长短，经拨动后它所发出的声音和其一半或两倍长的琴弦发出的声音几乎一样，这两根或短或长的弦分别发出高于或低于第一根弦所发出的声音，但三根弦的音却是相同的。钢琴上的一个音，如Ｃ音，即能在键盘的高音部找到相同的高音己也能在低音都找到相同的低音Ｃ。
　　数百年前，西方作曲家把一根弦的长度分成12段。虽然你在小提琴上看不出来，但却能在钢琴上找到代表这个12个音的7个白键和5个黑键，这12个健代表了传统西方音乐使用的12个音。每个键，不论白键还是黑健，都与相邻的键相差半音。
　　大多数读者都知道，7个白键分别是由字母表上的前7个字母的名称命名的，从Ａ到Ｇ。每个突起的黑键有两个键名。当它处于比白键高的位置时，称为升半音（Sharp），反之称为降半音（flat）。因此，在键盘图上升Ｃ和降Ｄ是同一个黑键。对此，没有什么难于搞清的，正如你左边的邻居是史密斯先生，而右边的邻居是琼斯太太一样。
　　这个键盘图还说明，钢琴上的五个白键，即Ａ、Ｃ、Ｄ、Ｆ、Ｇ，它们的右侧都有一个升音的黑键，而其他两个，Ｂ和Ｅ，则没有。两个毗邻键之间的音差仍是半个音高，不论它们是白白、白黑还是黑白相连怕永远不会出现黑黑相连的情况）。因此，Ａ键（白键）和Ｂ键（白键）之间相差一个全音（whole-tone），因为中间有一个黑键。而Ｅ键和Ｆ键，虽同为白键，但只相差半音（half-ton
e），因为中间没有黑键。
　　排行榜上每一位作曲家的作品都使用了钢琴上这12个键所代表的12个音中的几个或其全部，以及比它们更高或更低的12个音。从传统上说，西方作曲家没有更多的音可供支配。
　　对此没有固定的法则，只是这习惯性的问题。正如美国足球场的扬地长度为100码，垒球两垒之间的长度为90码，而加拿大足球场地的长度又不同一样，世界其他国家和地区也有不同类型的音阶。阿拉伯的音阶有17个音，印度则把一个全音分成四个四分之一音，而不是两个半音。如果愿意，作曲家可以用十分之一音进行创作。小提琴可以把它演奏出来，但钢琴却不行，除非按照要求订做。
　　但西方文化中不存在十分之一的音。我们的音乐体系采用的是7个白键和5个黑健代表的12个音，并按音阶（scale）使用。
　　音阶由一套相连的音组成，连续地排在一起，呈梯子的形状，从最低到最高音。我们大多数人都在学校里唱过七音音阶，即do-re-mi-fa-sol-la-ti（或si）-do。这组熟悉的音阶由7个不同的音组成，从“do”到“ti”，然后又回到“do”（第二个“do”由长度正好是第一个“do”的一半的弦”所发出，稍后我们将开始的“do”称为“主音”，前后两个“do”则相距一个“八度”（octave）。
　　一个音阶仅选择了12个音中的7个（如果加上重复的那个，则是8个）。这种由“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”构成的音阶叫作“自然音阶”（diatonic scale）（而由12个音组成的音阶叫作“半音音阶”[chromatic scale]，我们稍后再讨论）。排行榜中提到的作曲家大多数采用自然音阶，而不是半音音阶进行创作。
　　透过这种简单明了的讲解，我们说明了作曲家用12个音进行创作的原理。在使用这12个音中的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”自然音阶时又产生出“调”和“调性”的问题。如果作曲家将其中的一级音阶相对另外一组音阶使用就会得出不同的音的组合（当然，还会出现更为不同的组合，因为19世纪末和20世纪初的一些作曲家采用半音音阶进行创作）。
　　一位钢琴家从白色的Ｃ健开始弹奏，并且只用7个白键，我们会听到我们熟悉井区会唱的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”自然音阶。由于他选择了Ｃ作为起点，并且只用这几个键弹奏一个曲调。加上和弦，那么这首曲子就是“Ｃ大调”乐曲。Ｃ大调和其他调不同，仅包括白键，如果他仅弹奏白键，那他就是“完全忠于调性”，他没有“放弃”或“失去”调性。他的作品将以他选择的音阶的第一
个音为中心，在本例中，就是Ｃ。这个Ｃ音是“主音”（tonic）。在近300年的西方音乐发展史中，所有事件都是围绕着选择主音以及主音与其他音的关系而发生的。
　　“调性”指的是属于一个调的和弦与和声内的这种关系。我们刚才的作品仅弹奏了属于Ｃ大调的和弦与和声，因此我们的作曲家已“建立了调性的感觉”。
　　有关Ｃ大调的问题就谈到这里。现在，我们假设作曲家或钢琴家想用另外一个调创作第二首乐曲。他回到键盘旁边，这次他从白色的Ｇ键开始。为了试听效果，他从那个白键开始弹起，并且只用相连的白键，直到下一个Ｇ健为止。do-re-mi……这次音阶不大好听，有一个音符不对，有点儿“走调”（off key）。通过试验，钢琴家发现他必须用升Ｆ黑键替换Ｆ白馒，这样才能弹奏出和谐的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”来。一旦完成了这种替换，他使用的便是Ｇ大调了。
　　他用这种组合弹出的新曲调和他用Ｃ大调弹出的老曲调不同。即使他现在用了7个Ｃ大调琴键中的6个，但第7个是不同的。并且他是从Ｇ音，而不是Ｃ音开始。现在他有了新的中心音，或者说“主音”，并往返于新的音阶范围之内。
　　我们可在钢琴上进行一番试验。我们可以从12个琴健中的任何一个开始，不论它是黑键还是白键。通过替换黑键的方法，我们可以再现我们所熟悉的自然音阶“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”。你会发现，当你从Ｄ音开始弹奏自然音阶时，需要动用两个黑键进行升音，从Ａ音开始时需要3个，从Ｅ音开始时需要4个，从Ｂ音开始时需要5个。在各个音调的音阶中，作曲家利用不同的音符进行组合，尽管它们仍是12个音中的7个，但开始的位置不同，因此彼此的关系也不同。
　　实际上，我们不需要真的进行试验，获得自然音阶的方法是协调键盘上全音与半音之间的关系。我们从键盘图上可以看到，如果认Ｃ音开始，音阶的梯子是这样排列的：全音（Ｃ到Ｄ）、全音（Ｄ到Ｅ）、半音（Ｅ到Ｆ）、全音（Ｆ到Ｇ）、全音（Ｇ到Ａ）、全音（Ａ到Ｂ）和半音（Ｂ到Ｃ）。
　　这种全音和半音的音阶排列顺序是希腊人发明的，是数百年来人们使用的音阶排列方法中的一种。它是欧洲文化中的“大调”（major）音阶，是17世纪以来西方音乐的基本音阶，并最终由巴赫做了永久性的确定。我们可以不进行替换试验，只要按照全音、全音、半音、全音、全音、全音、半音的规律，不论从哪个音开始部可以弹奏出这种熟悉的音阶。在钢琴上试奏时，你会听到这种“大调”音阶不论从低到高，还是从高到低，均可以实现。
　　然而，大调音阶只是在17到19世纪的西方音乐中起主导作用的两种音阶（或调式[modes]）中的一种。另外一种音阶是小调（minor）音阶（包括三种不同的组合方式），它同样基于7个白键和5个黑键，但全音和半音的排列顺序不同。更为特殊的是它与大调音阶的不同点在于第一和第三个音符之间的半音数量。在三种小调音阶中，有一种音阶的前三个音步的顺序是：全音、半音、全音（前面提到，大调音阶的前三个音步的顺序是：全音、全音、半音）。一般来说，大调音乐抒发的是幸福、安详的情感，小调音乐则带有悲伤、忧郁和困惑的情绪。
　　区别一部作品属于大调还是小调，取决于它是以大调音阶还是小调音阶为基础。在这两种调式作为调性基础得以确定以前，西方音乐的基础是八种音阶，即所谓的“教会调式”（church modes）它在某种程度上不同于大调或小调调式（教会调式的八种音阶中的每一种都包括Ｃ大调音阶，即钢琴的白键，但只限于一个八度之内，并且以Ｄ、Ｅ、Ｆ、Ｇ四个音中的同一个音开始和结束）。
　　音乐家们费了很大工夫研究主音和属音（dominant），即所选音阶的第一个和第五个音之间的心理效果。从主音开始，并且包括第三个和第五个音在内的三音和弦叫主音和弦（tonic chord）。1600~1900年之间创作的绝大多数音乐作品采用的都是属于某一种调的主音和弦，主音与属音之间的关系是调性的基本表现，因此是一种令人满意的声音，即“协和音”。
　　19世纪来20世纪初，排行榜上的一些作曲家脱离了以音调或调性为基础的音乐，进行不同音型组合的尝试。这种音乐类型中的某些作品对当时的听众来说极其刺耳，即使到了今天，尽管我们已经习惯了大多数这类作品，但其中仍有些令人难以接受。
　　当作曲家完全摆脱了调性的概念、不再围绕主音进行创作之后，便在其作品中产生了“不协和音”。例如，我们的钢琴家或作曲家本想打算使用Ｃ大调，但乱了阵脚，引进了Ｃ大调音阶以外的黑键半音，因此他听到了刺耳和“走调”的声音，没有完全“忠于调性’。也许，他们为了增加乐曲的变化，而加进少量的不协和音；也许，他们为了达到标新立异的目的，而加进大量刺耳和可怕的不协和音。另一方面，如果他仅用7个白键，那么便达不到“变化的效果”。变化音（chromatic tone）也叫变化和弦，是作品调性以外的音。如果作品是Ｃ大调的，那么任何一个黑键都是变化音（“chromatic”一词源于希腊文，意为“染色”）。数百年来，作曲家们用偏离主调的变化音为他们的作品增加色彩和变化。巴赫和莫扎特在巴洛克和古典主义时期采用过这一方法，肖邦、舒伯特和瓦格纳在浪漫主义时期也运用了这一技法。作品中出现一些变化音不会改变音乐的基调，少量的不协和音也不会干扰听众欣赏音乐。
　　《韦氏大辞典》对不协和首的定义是“不协调音色的混合”，用在音乐方面对，《韦氏大辞典》补充说，它是“一种刺耳的音程”（“音程”[musical interval]指两个音之间的音差）。有些音同时演奏时很悦耳，有些则不然。这种现象不取决于人的观念，而在于不同音的每秒振动次数凑在一起时是否协调，不协和音的反义词是协和音。有些音的组合可以称为“完全的”协和音，有些是“不完全的”协和音，有些则是不协和音。这就是几个音同时演奏时的效果：完全悦耳、不完全悦耳和不悦耳，而不悦耳也可以分为不同的等级：稍微不悦耳、不悦耳、很不悦耳、非常不悦耳，乃至令人无法接受。我们刚才提到，有的音乐家为了增加对比和紧张的效果而在音乐中加入一些不协和音。例如，注重旋律的浪漫派作曲家经常使用一些不属于作品调性的和弦。而排行榜上的某些20世纪作曲家则有意挑选不协和音，强调不协和音，用音乐界的行话来说，他们以不协和音“著称”（这类作曲家有俄罗斯的斯特拉文斯基、匈牙利的巴托克和德国的亨德密特，他们当时都很擅长此道）。因此，第一次听他们的某些作品时有加尖叫，甚至到了第二次、第三次时仍有这种感觉。当然，如果一个小孩从小到大一直都听这种音乐，就不会认为它们是尖叫了。
　　为什么天才的作曲家要创作这种难听的音乐呢？最根本的原因是，他们并不认为它们难听。而且，他们需要创造紧张的气氛，因此不得不比他们的前辈迈出更大的步伐。
　　不协和音在文艺复兴时期曾十分活跃与流行，而帕莱斯特里纳（1525年出生）是小心谨慎地运用不协和音的典范，他是我们排行榜上第一位出生的作曲家。与他同时代的一些作曲家对不协和音的使用更加大胆。后来，莫扎特（1756年出生）超过了他们，李斯特（1811年出生）超过了莫扎特，20世纪的“新音乐
”作曲家们又超过了李斯特。排行榜上入选的几位20世纪作曲家不是以不协和音作为武器的杀人汪，他们有自己的意图，有自已组织和声与音调的方式。然而，他们的创作方法和创造出的作品有别于“正统音乐”。
　　事实上，他们中的很多人不比帕莱斯特里纳更大胆，他们不过是对开始于16世纪中期共一直延续至今的音乐体系进行试验而已。协和与不协和是对听众的耳朵而言的，因此具有相对性。帕莱斯特里纳时代认为十分大胆的作品到了舒伯特时代就不值得一提了。我们以舒伯特的著名歌曲之一《魔王》为例，这是一首为歌德的同名诗谱写的叙事歌曲，它讲述了父亲带着儿子在森林中骑马狂奔，以逃避用手指杀人的魔王的故事。
　　父亲用低音演唱，男孩用高音演唱。音乐的主体是一个调，然而魔王演唱时却用了另外一个调，并且一段一变，以营造紧张气氛，男孩在诗中曾三次叫喊“爸爸！爸爸！”，而在歌中，男孩的声音每次都比钢琴的高音高出半音。音乐界的人士告诉我们说，令耳朵最不舒服的声音是以半音之差同时发出两个高音。舒伯特有意用这种不协和的高音来突出气氛。
　　排行榜中的早期20世纪作曲家对音乐进行的试验，与当代艺术家和建筑家们所做的试验不同。有人说当代艺术家的绘画令人生厌或极其愚蠢，而传统建筑师则认为现代派建筑不顾眼。 19世纪和20世纪（或16世纪中的）那些具有开创性的作曲家并不满足于重视过去，他们想让音乐向各个不同方向发展。正如我们看到的那样，各个历史时期的音乐家都想这样做，而他们也确实开辟出了许多道路。
　　有些人从民歌中发现了“新的（通常是非常古老的）音阶，而实际上它们已经在乡村存在了数百年乃至数千年之久。巴托克和斯特拉文斯基就是这种类型的作曲家，他们发现的音阶有些和他们自己国家的音阶十分接近，而有些则来自西班牙和答里岛。
　　有些人曾尝试使用类似远东地区的微分音程（microtone）。
　　有些人试图像印度人一样，把一个全音分4份或者6份。尽管钢琴无法演奏它们，但其他乐器却可做到。
　　有些人格守调性；即所谓的“忠于调性”，但却扩展了调性的涵义。他们的作品同时使用两个调，结果导致“双调性”（bilonality）一词的出现。拉威尔、斯特拉文斯基、巴托克和普罗科菲耶夫均进行过此类探索。
　　有些人同时使用两个以上的调，创作“多调性”（polytonality）音乐。普罗科菲耶夫、巴托克和斯特拉文斯基就是这些试验者中的几位（舒伯特、瓦格纳、弗朗克和其他一些作曲家为了追求对比效果，从一个调迅速切换到另外一个调，但从未同时使用过一个以上的调）。
　　有些人拓展了调性的概念，不用7个全音，而用12个半音，但他们的作品仍以一个“最主要的”音（比如Ａ音）为基础，虽然他们的乐曲称不上是Ａ大调的乐曲，但仍逃不出“类似Ａ大调’的范畴。乐曲的调仍然存在，只是不那么明显而已。普罗科菲耶夫、巴托克和亨德密特即属于此类作曲家。
　　有些人仅使用由全者构成的音阶。德彪西在创作印象派作品时就使用了这种方法。从而改变了19世纪传统音乐的方向。
　　有些人，正如第一章讨论过的那样，向“无调性”音乐方向发展，不使用任何调。其中有一种全新的无调性音乐体系叫作“十二音列”（tweleve-tone serial music）。它使用钢琴上传统的12个音，但重新调整和重复使用，结果产生出一系列完全不同的和弦，人们从他们的作品中找不出任何主音。斯特拉文斯基曾在这方面进行过一段时间的努力。
　　本世纪80年代出现的一些电子音乐、机遇音乐或偶然音乐（aleatory）以及具体音乐（musique concrete），又使本世纪头25年所进行的那些令人“震惊”的试验相形见细，显得苍白而又不那么大胆了.

御尘 · 发表于 2005-8-5 00:44

看过最后一帖才觉的完整,第一帖内容好多,可看了还是觉得少了些我们自己的东西.
着实让我们大开眼界,也着实辛苦您啦

wgvf · 发表于 2005-8-5 13:18

厉害楼主是音乐专业的吧，学了不少知识，继续

音乐二流子 · 发表于 2005-8-8 12:18

介绍真够全了，墨枫同志辛苦了，加个“精”！感谢为音乐普及做了大贡献，呵呵。

芜原青柳 · 发表于 2005-8-9 17:09

用了一个下午的时间粗粗掠过，很有收益。以往总是凭着一种直觉去欣赏音乐：）音乐的世界的确是宽广寥廓，值得我们用身心去聆听，品味和翱翔。

楚怜香 · 发表于 2009-4-3 16:42

很全面啊!受教了!

鹊踏枝 · 发表于 2009-4-6 08:16

先收藏，慢慢学习,感谢分享，辛苦

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梦里花开落该用户已被删除	发表于 2005-8-2 19:27 \| 显示全部楼层提示: 作者被禁止或删除内容自动屏蔽
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